KManu Berguer, né en 1966 à Lausanne

Études à Lausanne, maturité

A Nightmare on Elm street

Polyptique. Série de neuf dessins au pastel sec sur papier

Prix de l’ensemble: CHF 4'000.-

Dimensions de chaque dessin : 75 x 100 cm

Exposition en 3 parties :

1ère partie : du 22.08.2021 au 05.09.2021

2ème partie : du 05.09.2021 au 19.09.2021

3ème partie : du 19.09.2021 au 01.10.2021

J’ai réalisé cette série d’après des photos trouvées sur le web autour de l’assassinat de J.F. Kennedy.

Attiré d’abord par leur esthétique, j’ai cherché à exprimer l’impression étrange et anxiogène que suscitent ces images en isolant certains éléments.

Expos :

2020 Dollar

Expo en duo avec Pierre Dominique Scheder, Pôle Sud, lausanne

2019 Chemin Faisant

Exposition collective, Espace Culturel, Assens

2019 Je Grandirai Demain

Exposition collective, Villa Dutoit, Genève

2018 Ça Cartonne, 20 ans de l'Espace Culturel Assens

Exposition collective, Espace Culturel, Assens

2017 Profane

Exposition collective, D3, Espace des Télégraphes, Lausanne

2016 Vous pouvez vous asseoir

Exposition collective, D3, Espace Démart, Lausanne

2015 Petits Formats, Petits Prix

Exposition collective, Atelier l'Air de Rien, Rolle

2015 ArtEdifices 2015

Exposition collective, Espace Culturel, Assens

2014 Tabloïd

Pôle Sud, Lausanne

2013 Biosphère

Galerie L'Art dans l'R, Genève

2010 La Piscine

Exposition collective, La Tournelle - Piscine publique d'Orbe

2008 Assens, les sens en tous sens,

Exposition collective, Espace Culturel, Assens (Art en paysage)

2006 Phréatique

Galerie Art en Ile, Genève

2002 Genève-Paris et retour

Exposition collective, Squat 59 Rivoli, Paris

2001 Nature Urbaine

Centre d'art en l'Ile, Genève

2000 Désaffectés

Exposition collective aux ACMV, Vevey festival off Images 2000

1998 Technicolor

Galerie la Châtelaine, Echandens

1995 Expositions collectives au Labyrinthe, Lausanne

1994 Exposition collective, Gubala gallery, New York

« Glaciers Nus » est une expédition photographique et audiovisuelle sur les sept continents. Les images exposées ici ont été effectuées en Europe - France, Italie et Suisse.

Cette expédition est un moyen de rendre compte et d’émouvoir sur la beauté, la fragilité et le mystère des glaciers avant qu'ils ne disparaissent, dans les années à venir.

Les images témoignent de la brutalité humaine à l’égard des glaciers, mais aussi du pouvoir que nous avons de les préserver. La glace blanche est devenue noire et les notions de bleu montrent l'avant-garde qui est le corps de l'œuvre, signe d'Espoir.

Tous les bénéfices récoltés sur les ventes d'images permettront de futures missions de l‘expédition sur d'autres continents.

"L'idée du projet est de transmettre aux générations futures la beauté des glaciers, dans le sillage de la pandémie actuelle, l'appréciation et le respect de la nature se sont avérés encore plus précieux. Alors qu'à l'intérieur des crevasses entre la peur et la magnificence de la glace, j'ai l'impression de voyager dans un autre monde, bien que ce soit notre chère planète. " Ania Freindorf

www.nakedglaciers.com

Naked Glaciers is a photographic and cinematographic expedition on all seven continents. Images here presented come from Europe - France, Italy and Switzerland.

The expedition is a way to save the beauty, the mystery and the fragility of the glaciers, before they disappear, in the years to come.

The power to preserve them from brutality of human actions lies in the images themselves. The white ice became black and the notions of blue show the avant-garde which is the body of work, a sign of Hope.

All benefits collected from the sales of images will allow future missions of the Expedition on other continents.

"The idea of ​​the project is to transmit to future generations the beauty of the glaciers, in the wake of current pandemic, appreciation and respect towards nature has proven itself to be even more of a value. While inside the crevasses between the fear and the magnificence of the ice, I have the impression to travel to another world, although it is our dear planet. " Ania Freindorf

www.nakedglaciers.com

Ania Freindorf

Independent Photographer/Film Maker/ Artist

Born in Krakow, Poland in 1980, Ania Freindorf has been working as a Paris-based photographer, filmmaker and artist for twenty years, covering documentary, news, and environmental issues all over the world. Simultaneously, for over fifteen years, she developed « Humanus », a photo/artistic project where the subjects were naked men. The work consisted on appreciating and discovering the diversity, the beauty and the ugliness of the human form. That led to many photographic exhibitions in various countries. Today she found herself in a place where the Glaciers take all her attention, as she considers that their existence or rather disappearance is essential for our proper survival.

« Ania Freindorf’s work is most achieved, especially with her „decisive moment” eye and aesthetically charged framing on Glaciers series » - Jeff Gleich, independent curator and art advisor, Paris, France

« Ania has a clear and sharp vision, of the world she discovers. Countries where she lived - Poland, Germany, UK, USA, France gave her the meaning of the direct approach and genuine relationships, regardless of language, culture or the past. Her natural curiosity reinforced by a strong journalistic training led her to open the most closed doors if it comes to her photography. The features and portraits of Ania were published worldwide, she is also a Professor of photography at UNESCO and is represented worldwide by various Agencies. Working with United Nations, NGO's and governments as well as private sector » - Joel Halioua, Private consultant for fine art photographers, Paris, France

« Speaking off limits, we present the artist Ania Freindorf and her expeditions in the glaciers. Through her photographic eyes, we are able to actually dive into the ice of all seven continents, and to reflect about the essentiality of glaciers for humankind proper survival. » Luca Curci, Curator Itsliquid, Venice, Italy

Publications and Exhibitions, Photo exhibition and Books, 2001 -2021:

05/1999 - Collective exhibition "Young photographers" at “Akty” Gallery, Krakow, Poland

01/2004 - Book "Poland”, publisher Mondeos

09/2005 - Personal exhibition " Intimate Dance" Gallery "Pauza" Krakow, Poland

11/2005 - Collective exhibition. " Acoustic Images " at " Sound Gallery" in Paris

06/2006 - Collective exhibition "Moulin Rouge" in ESA business school, Paris

09/2006 - Personal exhibition "Ivan" in “Les Mots a la bouche” Gallery, Paris

07/2007 - Collective exhibition " Europe of culture" in Hungary Winner of the Photo Prize.

06/2011 - Collective exhibition at UNESCO « Youth"

09/2015 - Booklet "Vanuatu" in "Oceans - keys to act," editor GCFT

09/2015 - Visa Pour l’Image Photojournalism Festival Perpignan - projection photos Charlie Terrorist Attacks / Sipa, France

12/2015 - Co-author photos Book “50 Best Bars” editor Lonely Planet, UK

03/2016 - The Special Jury Award « Circular Economy » Green Cross France.

04/2016 - Booklet "Circular economy: the key to act" Green Cross France.

06/2016 - 2nd Photo Award "Oceans - Key to act" NGO Green Cross France «

01/2017 - Author of a Book “Fiction and Reality - Interviews of personalities” Souffle Court Editions, France (in progress).

09/2018 - Visa Pour l’Image, Perpignan, nomination for „Naked Glaciers” by l’ANI

05/2019 - Nature Nominee, Professional category, 5th FAPA - Fine Art Photography Awards nomination for „Naked Glaciers”

08/2020 - Honorable Mention, Professional Section, Fine Art 15th Julia Margaret Cameron Award for „Naked Glaciers”

09-12/2020/2021 - Exhibition Photo - „Naked Glaciers” Hotel Mercure, Courchevel, partnership of The Monaco Chamber of Environment CEREM, France

03/2021 – Exposition of “Naked Glaciers” in Gallery “Dream, Art and Culture”, Evian

05/2021 – Venice International Art Fair – “Naked Glaciers”, Itsliquid, Venice, Italy

06/2021 – Venice Borders Art Fair – “Naked Glaciers”, Itsliquid, Venice, Italy

07-08/2021 - Exhibition Photo « Naked Glaciers », art space Station Show in Lausanne, Switzerland

07-08/2021 - Exhibition Photo « Naked Glaciers », Public Library, Maxilly sur Leman, France

12/2021 - Exhibition Photo "Naked Glaciers", 6th Biennial of Fine Art & Documentary Photography - FotoNostrum, Barcelona, Spain

www.aniafreindorf.com

Ania Freindorf

Photographe/Cinéaste/Artiste indépendant

Née à Cracovie, en Pologne, en 1980, Ania Freindorf travaille comme photographe, cinéaste et artiste basée à Paris depuis vingt ans, couvrant le documentaire, l'actualité et les questions environnementales dans le monde entier. Parallèlement, pendant plus de quinze ans, elle développe « Humanus », un projet photo/artistique dont les sujets sont des hommes nus. Le travail consistait à apprécier et découvrir la diversité, la beauté et la laideur de la forme humaine. Cela a conduit à de nombreuses expositions photographiques dans divers pays. Aujourd'hui, elle se retrouve dans un endroit où les Glaciers retiennent toute son attention, car elle considère que leur existence ou plutôt leur disparition est essentielle à notre bonne survie.

« Le travail d'Ania Freindorf est le plus abouti, en particulier avec son œil « instant décisif » et son cadrage esthétiquement chargé sur la série Glaciers » - Jeff Gleich, conservateur indépendant et conseiller artistique, Paris, France

« Ania a une vision claire et nette, du monde qu'elle découvre. Les pays où elle a vécu - Pologne, Allemagne, Royaume-Uni, USA, France lui ont donné le sens de l'approche directe et des relations authentiques, indépendamment de la langue, de la culture ou du passé. Sa curiosité naturelle renforcée par une solide formation journalistique l'a amenée à ouvrir les portes les plus fermées s'il s'agit de sa photographie. Les traits et portraits d'Ania ont été publiés dans le monde entier, elle est également professeur de photographie à l'UNESCO et est représentée dans le monde entier par diverses agences. Travailler avec les Nations Unies, les ONG et les gouvernements ainsi que le secteur privé » - Joel Halioua, consultant privé pour les photographes d'art, Paris, France

« En parlant du hors limites, nous vous présentons l'artiste Ania Freindorf et ses expéditions dans les glaciers. À travers ses yeux photographiques, nous sommes en mesure de plonger dans la glace des sept continents et de réfléchir à l’importance des glaciers pour la bonne survie de l'humanité. » Luca Curci, Conservateur Itsliquid, Venise, Italie

Publications et Expositions, Exposition de photos et Livres, 2001 -2021 :

05/1999 - Exposition collective "Jeunes photographes" à la Galerie "Akty", Cracovie, Pologne

01/2004 - Livre "Pologne", édition Mondeos

09/2005 - Exposition personnelle " Intimate Dance" Galerie "Pauza" Cracovie, Pologne

11/2005 - Exposition collective. " Images Acoustiques " à la " Sound Gallery " à Paris

06/2006 - Exposition collective "Moulin Rouge" à l'ESA, Paris

09/2006 - Exposition personnelle "Ivan" à la Galerie "Les Mots à la bouche", Paris

07/2007 - Exposition collective " L'Europe de la culture" en Hongrie Lauréat du Prix Photo.

06/2011 - Exposition collective à l'UNESCO « Jeunesse"

09/2015 - Livret "Vanuatu" dans "Les Océans - les clés pour agir", éditeur GCFT

09/2015 - Visa Pour l'Image Festival de Photojournalisme Perpignan - projection photos Charlie Terrorist Attacks / Sipa, France

12/2015 - Co-auteur photos Livre "50 Best Bars" Editeur Lonely Planet, UK

03/2016 - Le Prix Spécial du Jury « Économie Circulaire » Croix Verte France.

04/2016 - Livret « Économie circulaire : la clé pour agir » Croix Verte France.

06/2016 - 2ème Prix Photo « Océans - Clé pour agir » ONG Green Cross France «

01/2017 - Auteur d'un livre « Fiction et Réalité - Entretiens de personnalités » Editions Souffle Court, France (en cours).

09/2018 - Visa Pour l'Image, Perpignan, nomination pour "Glaciers Nus" par l'ANI

05/2019 - Nature Nominee, catégorie Professionnelle, 5e FAPA - Nomination aux Fine Art Photography Awards pour "Naked Glaciers"

08/2020 - Mention Honorable, Section Professionnelle, Fine Art 15ème Prix Julia Margaret Cameron pour "Naked Glaciers"

09-12/2020/2021 - Photo d'exposition - Hôtel Mercure « Glaciers Nus », Courchevel, partenariat de la Chambre de l'Environnement de Monaco CEREM, France

03/2021 – Exposition « Glaciers Nus » à la Galerie « Rêve, Art et Culture », Evian

05/2021 – Venice International Art Fair – « Naked Glaciers », Itsliquid, Venise, Italie

06/2021 – Venice Borders Art Fair – « Naked Glaciers », Itsliquid, Venise, Italie

08-07/2021 - Exposition Photo « Glaciers nus », espace d'art Station Show à Lausanne, Suisse

08-07/2021 - Exposition Photo « Glaciers Nus », Bibliothèque Publique, Maxilly sur Léman, France

12/2021 - Exposition Photo "Naked Glaciers", 6ème Biennale d'Art & Photographie Documentaire - FotoNostrum, Barcelone, Espagne

www.aniafreindorf.com

Sébastien Théraulaz (CH/CA 1973), travaille à Lausanne.

Artiste plasticien.

Après ses d’études en design industriel au Art Center College of Design (USA) en 1997, il part vivre à Montréal et fonde un atelier de création graphique.

Pendant une quinzaine d’années, il oeuvre comme directeur artistique pour le milieu culturel québécois. Ses réalisations visuelles ont été maintes fois primées, notamment le prix du meilleur vidéoclip québécois et canadien en 2003, ainsi que le grand prix Grafika 2006 pour sa typographie Subroyal.

De retour en Suisse depuis 2010, il se consacre pleinement à son travail artistique et enseigne dans les écoles cantonales romandes. Sa démarche artistique se focalise sur les paradoxes de la société contemporaine en usant les procédés du collage, de la photographie et de la gravure comme appareil à réflexion.

Pour plus d’informations (portfolio, visite atelier) vous pouvez me contacter via mon site : www.theraulaz.com

ufo-in-lavaux :

Mystifications photographiques témoignant d’observations possiblement faites en Lavaux entre 1945 et 2021.

Exposition Stationshow (de gauche à droite , voir image vitrine)

Mystifications photographiques

Technique : tirage cyanotype unique avec virage.

01. circa 1978 (24 x 32 cm) - CHF 300.-

02. 21/03/2020 (31 x 50 cm) - CHF 650.-

03. 21/06/1997 (34 x 57 cm) - CHF 650.-

04. 28/10/1945 (41 x 57 cm) - CHF 650.-

05. 28/10/1976 (50 x 65 cm) - CHF 650.-

06. 13/07/1991 (38 x 57 cm) - CHF 650.-

07. 21/05/2010 (57 x 43 cm) - CHF 650.-

08. 01/01/1973 (50 x 35 cm) - CHF 650.-

09. 13/10/1993 (26 x 17 cm) - CHF 250.-

10. 14/07/1991 (44 x 32 cm) - CHF 650.-

Murs latéraux :

A. 21/05/2010 - Yellow(19 x 24 cm) - CHF 300.-

D. circa 1957 (15 x 21 cm) - CHF 300.-

CABINET DE CURIOSITÉS
 STATION SHOW

GARE CFF LAUSANNE
 18 AVRIL – 30 MAI 2021



Chaque artiste présente un objet précieux qui a un sens particulier dans sa démarche artistique comme par exemple : un outil, une plaque, un bibelot, un objet, une pierre, une image, un livre entre autres. Une exposition avec des airs de cabinet de curiosités, un écho à la création artistique pour une pause singulière en gare de Lausanne.

Liste des Participants :

1. ALUAI Hélia

2. AMORIM Mariana

3. ARDEVOL Isabelle

5. BAUD Sandra

7. BERGEON Philippe

9. BOLLE Catherine

60. Boss Catherine

11. BRUNNER Paul

13. CASARESKI Roxana

15. CHRISTEN Albin

16. CHRISTINAT Olivier

14. COBBI-CALLEN Isabel

57. Crettol Rouge Chantal

17. DELEMONT Nicolas

18. DESROUSSEAUX Bernard

19. DEWARRAT Margaux

20. DIAZ BACCHETTA Chus

21. DOBAY-MASSZI Marta

24. GERVASONI Eliane

63. GERWING Krista

26. GUGLER Sabine

50. INGARDEN-MOULY Joanna

27. KELLENBERGER Stephan

29. LAVANCHY Mireille

31. MARASCHINI Camilla

32. MARTHALER Geneviève

59. MARTIN Thérèse

33. MASU Lucia

34. MIDDELMANN Naomi

52. MK

37. MOUCHNINO Nathalie

61. Mourey Marie

42. PEREZ Manu

43. ROSENZWEIG Orly

44. ROUECHE Denis

46. RYFFEL Hugues

62. Sauvage Maude

47. SCHER Daniel

48. SCHUMACHER-TRUNZ Alice

50. TANNER Isabelle

58. Theurillat Dominique

51. TSCHOPP Stéphanie

53. VOEFFRAY Anne

54. WALTER Véronique

55. WEBER Aline

56. WEIBEL Michèle

Hudesa Kaganow

Architecte, artiste plasticienne, designer et illustratrice française, Hudesa est née à Sao Paulo, Brésil en 1973. Diplômée en architecture et urbanisme à l'Universidade Mackenzie au Brésil et à l'École d'Architecture de Paris La Villette en France, elle a suivi, parallèlement à sa formation universitaire, différents cours en art dans des écoles publiques et privées au Brésil, en France et en Italie.

Hudesa utilise différentes techniques et matériaux, surtout des matériaux recyclés tels que le papier, le carton, le tissu, le bois, etc., pour réaliser ses œuvres, soit bidimensionnelles que tridimensionnelles, en passant du figuratif à l’abstrait.

Dans les dernières années elle a réalisé plusieurs œuvres d’art public dans le cadre du 1% artistique en Italie.

Vit et travaille à Rome depuis 1999.

www.hudesakaganow.com

Série « Passengers »

J’ai toujours aimé représenter les êtres humains. Leur existence et leur diversité m’ont toujours fascinée. Rencontrer des personnes dans mes voyages, dans les gares, les aéroports lors de mes déplacements à travers le monde, a été toujours une source d’inspiration pour mes créations et une richesse pour mon expérience de vie.

La série « Passengers » représente une réflexion, à la fois, sur l’importance de notre existence malgré nos différences culturelles, mais aussi, sur la similitude de nos habitudes, nos sentiments, désirs et souffrances qui font de nous tous des passagers sur un même navire.

Ce petit échantillon d’Humanité est un hommage à tous les êtres humains qui sont de passage dans les gares, dans les villes du monde entier, dans la vie. Son but est celui de renforcer symboliquement l’égalité liée à notre condition humaine sans distinction d’origine, de genre ou de croyance.

Acrylique sur toile

40x40 cm

Prix : CHF 600.- par tableau

Prix pour la totalité de l’installation : sur demande

Hudesa Kaganow

Passengers

Du 07.03.2021 au19.04.2021

Winter Follies

• A QUI l’homme et le garçon font-ils un signe au loin ?

• QUE trouve-t-on d’amusant à avoir froid et être mouillé dans la neige ?

• POURQUOI ces personnes risquent-elles de se casser le cou en glissant sur des pentes raides?

• COMMENT les pins restent-ils verts toute l'année?

• OÙ puis-je louer des skis ?

  Ces gens s'amusent-ils vraiment, ou est-ce seulement une apparence ?

Prix sur demande

Me voici avec ce corps, ce corps à la peau de sable, poitrine et bras serrés, battre et battre des cils devant ces murs aux dessins vibrants. Mes épaules ne touchent pas les murs, d'un fragment à l'autre, comme un papillon qui voit les ouvertures, approche tout contre et rebondit. Peut-être juste tombé dans une mémoire inconnue, et me voici comme attiré d'un point à l'autre pour l'entendre, entendre souffles et soupirs, faire raisonner quelques notes d'une histoire silencieuse. Peut-être est-ce une danse ? Esquisser des signaux, signaler des réserves cachées, un appel pour parcourir des espaces, espace de temps, espace de corps, de corps et de mouvement, de mouvement et de lumière.

“Séquence”

Démarche Artistique

Ma vision va à la découverte des lieux les plus anciens au présent (tout spécialement les châteaux).

Je capture l’agressivité des lumières et des contrastes qui vont m’entraîner dans une recherche picturale inspirée du clair-obscur et qui vont se mêler en une suggestion mystérieuse des formes géométriques. Pour y parvenir je me mêle dans la masse de touristes, à la recherche des effets frappants et scéniques et capture des images étonnantes au-delà de premier regard. Ceci plongera le regard du visiteur dans un travail absolument contemporain lors de mes expositions. Pour évoluer dans mes œuvres, je crée mes images par séries, sur divers supports et formats.

Pour ce projet d’exposition j’ai prévu une sélection de clichés faites dans différents châteaux de Suisse pour ainsi les mettre à l’honneur. Les formats et supports vont s’adapter avec la salle d’exposition et il peut inclure des sculptures en relation avec mes photographies.

Biographie

Khrissy Clement

Artiste Suisse ayant passé une partie de son enfance en Amérique latine, en Italie et aux Etats-Unis. A son retour en Suisse, elle étudie à l’Ecole d’Arts appliqués de Vevey et obtient son diplôme d’Arts visuels. Suite à un nouveau voyage à l’étranger, elle rentre en Suisse pour travailler et améliorer sa passion : la photographie.

Elle aime travailler la photographie numérique, argentique, laboratoire photo, et la peinture. Edite des livres sur divers thèmes sur demande. Ses œuvres sont diversifiées, avec des techniques et supports variés qui vont mettre en valeur ses clichés toujours inspirés du clair-obscur. Elle reste constamment ouverte à des nouveaux projets artistiques qui la font avancer.

THECHNIQUE : Photographie d’art digitale

Hahnemühle Fine Art Print

FORMAT : 80/60 cm

EDITION: 1/5 signée, daté

CREDIT : @khrissyClement

PRIX : CHF 1’000.- pièce 3 pièces CHF 2’800.-

www.khrissy.photography

contact@khrissyphotography.com

STINE KYRSTING

« Lieux récompensés » sont inspirés de la montagne ou de la forêt près de chez moi. Je les transforme ensuite en un lieu imaginaire, qui fait rêver.

Je travaille dans notre atelier commun à Vevey, ou j’expose mes dernières gravures (mi sep. 2020 au fin oct. 2020)
www.ateliersa5.ch



Technique mixte, collage
64 cm * 103 cm
800 Frs

Technique mixte, collage
53 cm * 103 cm
700 Frs

Alex Jordan

Après avoir terminé mes études de cinéma au Royaume-Uni, je suis revenu à Lausanne et ai travaillé sur divers projets de montage vidéo, me spécialisant plus particulièrement dans les compilations créatives d’archives. Fasciné par ce processus consistant à créer de nouvelles interactions entre ces petites bribes audiovisuelles trouvées à partir de sources diverses et d’en faire une histoire, c’est cette recherche d’étincelles potentielles au sein de scènes banales en apparence, qui m’a par la suite mené à la photographie de rue.

Mes photos rassemblent, sans mise en scène aucune, des situations spontanées prises de la vie de tous les jours, avec comme but de souligner leur poésie et toutes les histoires qu’elles peuvent évoquer. L’utilisation d’une esthéthique faite de forts contrastes en noir et blanc m’est vite apparue comme une évidence, me permettant de transmettre des atmosphères s’éloignant de tout réalisme journalistique, mettant plutôt en avant une certaine beauté, mais également une mélancolie représentative de ma propre vision subjective et de mon ressenti face à ces moments fixés dans le temps. Le médium photographique est ainsi devenu pour moi une façon de partager un regard contemplatif, parfois nostalgique et souvent un peu rêveur sur le monde qui nous entoure et de me reconnecter avec ce dernier.

Plus spécifiquement, j’ai l’habitude de me concentrer sur des individus isolés, sur la manière avec laquelle ils transforment l’environnement dans lequel ils se trouvent et avec laquelle ils sont également impactés par celui-ci, ne faisant en quelque sort plus qu’un avec lui. Le temps d’un court instant, cet environnement devient leur propre habitat symbolique, ou alors une représentation possible de leur état d’esprit comme interprété et projeté par moi-même d’abord, et ensuite par chaque personne se trouvant face à l’image présentée. De plus, il y a derrière ces photos un désir de se rapprocher de ces inconnus et, plutôt que de les ignorer comme de simples passants anonymes et de rester dans sa propre bulle, précisement de sortir de cette dernière et de s’intéresser à qui ces personnes pourraient être, ce qu’elles pourraient ressentir, et toutes les significations potentielles qu’elles dégagent en étant simplement là et poursuivant leur vie quotidienne.

Pour découvrir d’autres de mes photos ainsi que mes différents projets de montages vidéo, voici mon site : https://www.broken-matches.com

Toutes les photos sont disponibles en tirage sur du papier baryté de qualité, aux dimensions de 30x40cm (photo 20x30 cm + marges blanches) comme présentées dans la vitrine, au prix de 170 CHF chacune, ou à 340 CHF si vous la voulez déjà encadrée (cadre noir de qualité et vitrage anti-reflets). Pour d’autres dimensions ou plus d’informations, me contacter.

LUC IMSAND
Web site : www.imsand.ch

BIOGRAPHY
1983
Usa Athens, University of Georgia (UGA), English studies

1984/1985
Usa Atlanta, several art schools, college

1986
Usa Boston, School of the museum of fine arts
Internship with T.C. Fitzgerald, state house photographer of Massachusetts and Kennedy’s family

1987
Switzerland, Art center europe, college of design (Pasadena)

1987/1992
Switzerland, work as a computer graphic operator and painting

1993
Usa Atlanta, operator at CNN/Headline News

1994/2000
Lausanne, painting

2000/2001
Glasgow, painting

Since 2002
Works and lives in Lausanne, Switzerland with stay in South America and East Asia

EXIBITIONS (SELECTIONS)
2019
Lübeck, HeissingsArt, Oil, duo show w/ Mathias Garf
Ballens/Morges, Galerie Edouard, Oil, group show

2018
Lausanne, Station show, Oil, One man show

2015
Basel, VisArte, Projektraum M54. Oil, group show

2008
Turin, Artissima w/ Gallery Svestka. Oil and acrylic, group show

2007
Lille, Galerie Annie Wable. Bar ouvert, Acrylic and Oil, duo show w/Henri Heidersheid

Bratislava, Institut français. Peintures de vie urbaines – Retrospective, Acrylic and Oil, one man show. Support by the Swiss Embassy, Bratislava

Prague, Gallery Svestka ,Acrochage 2007, Acrylic and Oil, group show. With Tony Cragg, Jörg Immmendorff among others

Turin, Artissima w/ Gallery Svestka. Oil and acrylic, group show

2004
Miami, Museum of the Americas. A latin american painting diaries, Oil and acrylic, one man show

2003
Rotterdam, Pakhuis 6. The lonely road, Oil and acrylic, duo show w/Lisa van Noorden, acrylic. Support by the Swiss Embassy, The Hague

2001
Glasgow, The prject room. Acrylic, group show

2000
Lausanne, Galerie du Chêne (Vallotton). Acrylic, group show

1999
Paris, Galerie Maig Davaud. Acrylic, group show

1998
Lausanne, Galerie Parti Pris. Acrylic, one man show

Düsseldorf, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Glasgow, Lloyd Jerome Gallery. Acrylic, one man show

1997
Lausanne, Le Blanc des Cieux. Acrylic, group show

Düsseldorf, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Bad Doberan, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Bonn, Galerie Essig
« Junger Kunstlers » Acrylic, group show

Lausanne, Bally dept. Store. Acrylic,one man show

Stuttgart, Profikids. Computer prints on Agfachrome & acrylic, one man show

1996
Lausanne, Galerie Parti Pris. Acrylic & charcoal drawings, one man show

Clarens/Montreux, Clinique La Prairie. Acrylic, one man show

1994
Geneva, La Galerie. Acrylic & charcoal drawings, one man show

1990
Geneva, Galerie Shirley. Computer prints on Agfachrome, group show
*****

Valérie Portmann, (1979) diplômée en arts visuels de l’ecav Sierre (actuelle édhéa) et en céramique contemporaine de la HEAD Genève. Vit et travaille à Lausanne.

Série de 3 Cyanotypes (procédé de photographie alternative) intitulée « Palma Santa Catalina » et réalisée à l’aide de branches de palmiers.

Le titre sous forme de clin d’œil au motif « feuille de palme » renvoie au doux nom d’une destination de vacances et à l’imaginaire qu’il convoque. Ou comment amorcer un voyage par la pensée dans lequel chacun peut laisser son esprit vagabonder librement.

Pour plus d’informations (portfolio, visite atelier) vous pouvez me contacter par e-mail valerie.portmann@hotmail.com

Marie-Chantal Collaud
Démarche artistique

D’origine fribourgeoise, je vis et travaille à Lausanne depuis 1971.
Etudes en travail social, droits humains et politique sociale.
Spécialiste de la question associative, j’ai toujours conduit, en parallèle
à mon travail, des activités dans le domaine artistique.

Comme pour beaucoup d’entre nous, des questions existentielles m’habitent: la vie, la mort, l'amour et, surtout, le détachement.
Mais, ce qui m’anime en particulier, c’est le projet de révéler la beauté de la nature, tout particulièrement les terres brûlées et le Sud à partir de fragments, de débris à l’origine incertaine, de vestiges d’objets condamnés à l’oubli qui, grâce à mon travail, réussissent à gagner une nouvelle vie, une vie qui surpasse celle pour laquelle ils ont été originalement créés. Ce qui m’habite, aussi, c’est la conviction que « chaque jour compte » et qu’il s’agit de vivre l’instant présent en savourant chaque seconde et chaque respiration.
Si je préfère le fer corrodé, tous les matériaux m’intéressent : la pierre, le bois, le papier etc.
La première dimension de mon travail est associée à des rencontres. Il s’agit, au gré de mes promenades et de mes voyages, de collecter des fragments d’objets abandonnés qui, à première vue, présentent peu d’intérêt, voire suscitent du mépris. La nécessité de recueillir ces trouvailles s’impose à moi. Je devine que la beauté se niche très souvent dans ces « riens » délaissés. Mon travail consiste alors à donner un sens à cette beauté et à l’offrir au regard du public.
La rouille vient à ma rencontre à chacun de mes pas. Je me balade dans la nature, je collectionne divers matériaux : métal rouillé, tôles grignotées par le temps, zinc, plomb, fils métalliques et toutes sortes de papier (journaux, emballages, manuscrits, etc.).
Dans ma perception, la rouille réunit l’art et la vie : elle touche et émeut nos sens, chuchote comme si elle voulait cacher un secret. Ayant perdu sa fonction, elle est prête à un usage poétique. Elle nous offre des moments de paix, de précieux instants d’équilibre et de grâce et laisse toute liberté à l’imagination. Il suffit de la caresser des yeux pour qu’elle se mette à vibrer et qu’il en émane une discrète sensualité.
La rouille est un feu d’artifice de teintes chaudes, une explosion de sensations. Elle offre un gigantesque spectre de couleurs et de formes, tout en lumières et transparences, comme illuminé par le soleil. C’est une magnifique création de la nature, résultat d’un phénomène d’oxydation et de patine due au temps et à l’environnement. Saisir artistiquement la beauté et la destruction ainsi que le processus d’évolution et de disparition, est un fabuleux voyage vers nos origines.

A l’atelier, c’est le choix du matériau qui m’inspire et qui agit comme un déclencheur d’imagination. La forme, transformée par la fragmentation, peut devenir méconnaissable tout en gardant ses éléments géométriques de base. Je cherche alors le meilleur compromis entre la matière, les moyens techniques et la forme.
Mon travail m’apparait particulièrement abouti lorsque je réussis à réaliser des constructions aériennes et fragiles ou qui associent la robustesse et la précarité.
Mon objectif est d’abolir la frontière entre penser et ressentir, de conjuguer la logique du sens et celle de la sensation. Je crée dans la mouvance de mes préoccupations du moment. Ce qui m’intéresse, c’est de me laisser porter par le mouvement instinctif, le moins réfléchi possible.

Mon travail veut échapper aux regards qui classent, étiquettent et nomment. Mes sculptures déçoivent la certitude des noms. Le regard d’autrui peut leur attacher librement un sens possible tout en sachant qu’il ne pourra être ni complet ni tout à fait satisfaisant.
Que dire encore ? Que je rejoins l'univers du Wabi-sabi qui renvoie aux choses imparfaites, impermanentes et incomplètes. Le Wabi-sabi, dans sa forme la plus pure, s'intéresse aux détails discrets et négligés. Il hésite à séparer la beauté de la non-beauté ou de la laideur. L'essence du Wabi-sabi est, en quelque sorte, l'état qui permet d'accepter ce que l'on considère comme laid. Ainsi, la beauté peut surgir spontanément à n'importe quel moment, pourvu que les circonstances, le contexte ou le point de vue soient appropriés. Elle est ainsi un état modifié de conscience, un extraordinaire moment de poésie et de grâce.

Leonard Koren, Wabi-sabi à l'usage des artistes, designers, poètes et philosophes, Le prunier, Sully, 2015.

Marie-Chantal Collaud, printemps 2020



Formation
José Aguirre www.jose-aguirre.com
Paul Flury www.flury-sculpture.com
Yolande Biver www.yolande-biver.ch
Guillermo Inchaurregui www.inchaurregui.ch
Corinne Colombo www.corinnecolombo.com
Delphine Costier www.delphinecostier.ch
Annick Vauthier www.annickvauthier.ch

Expositions individuelles (sélection)
2019, Lausanne, Aperti (6e ouverture atelier)
2019, Sion, Galerie Grande Fontaine (avec Mario Masini et André Jaccard)
2019, Espace de Je, Corsy/Lutry
2018, Avenches, Galerie du Château (avec Corinne Colombo)
2017, Lausanne, Forum Hôtel de Ville Lausanne Exposition collective Lyceum Club International CH Lausanne
2017, Lausanne, Aperti (5e ouverture atelier)
2016, St-Sulpice, Espace 52 (avec Dominique Theurillat)
2016, Sion, Galerie Grande Fontaine (30 ans Galerie)
2015, Saignelégier, Café du soleil (art incognito)
2015, Berne, Espace Dix-sept
2015, Estavayer-le-Lac, Galerie O'Local
2015, Prilly et Lausanne, Galerie Ergasia (avec Gisèle Grana)
2014, Lausanne, Flon square galerie
2014, Sion, Galerie Grande-Fontaine (avec Cécile Mury)
2013, Vallorbe, Galerie Artcadache (avec Martine Aeschlimann et Jean-François Rieux)
2012, Posieux, Institut agricole Grangeneuve
2011, Pully, Galerie du Prieuré (avec Anne-Marie Marin et Véronique Kemeny)
2011, Lausanne, ESF- Espace Saint-François, Galerie d'art contemporain, Lausanne
2010, Saignelégier, Café du Soleil (avec Luc Joly)
2010, Sion, Galerie Grande Fontaine (avec René-Pierre Clivaz)
2009, Estavayer-le-Lac, Galerie O'Local
2008, Corcelles/NE, Galerie Arcane Atelier, Place du Vallon 16, 1005 Lausanne



www.marie-chantalcollaud.ch
info@marie-chantalcollaud.ch
+41 79 397 83 25


Collaud Marie-Chantal
Atelier, Place du Vallon 16
1005 Lausanne

ANCRAGES


Voilà une douzaine d’années que je travaille le papier mâché, attirée depuis longtemps par ce mode de faire.

Une idée, un sentiment, une sensation, un mouvement, un cri, une bouffée d’air, fugitifs, une pierre… tout est prétexte à un point de départ qu’il s’agit impérieusement de matérialiser. Malaxer ce matériau simple et banal, le papier journal, pour laisser naître un personnage, un animal ou une scène mettant en rapport différents individus.

La première étape est en général assez rapide, car il faut dompter ou canaliser ce fatras de papier, avec jubilation, et parallèlement un sentiment d’urgence.

Puis vient le désir d’ « habiller » la sculpture. Non pas de la décorer, mais bien de confirmer sa vraie identité, laquelle peut parfois m’échapper lors de sa mise en forme, ou prendre alors une voie inattendue.

Là aussi s’élabore un axe autour duquel va se construire cet habillage.
Une sculpture peut attendre, plusieurs mois ou davantage, pour que la nécessité, la « couleur » de cet habillage s’impose. Elle est là dans mon quotidien, m’accompagnant, me regardant, jusqu’au moment où se fait le déclic qui me permettra de continuer mon travail.

Puis vient en dernier, toujours, le visage, du moins lorsqu’il s’agit d’un personnage. Quel visage ? Il arrive, quelquefois après plusieurs tentatives, que je renonce aux yeux, voire à la bouche, qui peuvent l’enserrer, l’emprisonner, le couper de ses possibilités autres, voire le rendre impudique, ou ne font que surligner, alourdir son expressivité.

Claudine Desponds
Février 2

Artist Statement Dan Scher



The paintings presented are from a series called « City Painting » which I began in 1990. It is an on going series about contemporary urban society. I grew up in Chicago and St. Louis, then lived in New York from 1981 to 2003. I wanted to find a language in painting which would communicate my ideas of urban life.



For 10 years I searched for a consistent way to paint urban subjects. Then in 1990 I was riding a bus up Madison Ave. and I noticed a view framed by the bus window which cropped the pedestrian traffic at the shoulders. This gave me the idea for a language I could use to compose city paintings. It was this parallel view from the bus of people walking that initiated the dialogue I was looking for.



I began making many composition studies, using observations from my walks around the city. I made drawings of legs and feet against a negative space of sidewalk. Then I introduced buildings into the negative space, making a structure of buildings, armes, legs, feet, torsos, briefcases, newspapers, umbrellas, shopping bags, and sidewalk. I limited the imagery to these objects and repeated them from composition to composition.



Correspondingly, during this period, I developed a liking for jazz music and listened avidly to it on the radio. I heard a decidedly urban pace in syncopated jazz rhythms. I found color solutions in jazz harmonies and used color and contour to reflect the city’s pace. Today I continue my work with color and space, the figurative and the abstract.

[Figure 1.A.] The Scientific Art Exhibition
A retrospective 2017-2019

[Figure 1. A.] is a scientific art exhibition which aims to show that Art and Science go hand in hand. Often, the apparent complexity of the scientific world can scare a general audience and we aim through this exhibition to shine a light on science’s beauty. The exhibition is annual since 2017. Within the StationShow exhibition, we have selected 16 images that were presented in the main Figure 1.A. expos between 2017 and 2019. All the authors work in the University of Lausanne in the Faculty of Biology and Medicine and the Faculty of Geosciences and Environment. Through this exhibition you can discover the scientific research from in Lausanne and appreciate how beautiful science can be!
Visit us at www.figure1a-unil.com

[Figure 1.A.] L’exposition d’art scientifique
Rétrospective 2017-2019
[Figure 1. A.] est une exposition d’art scientifique qui a pour objectif de montrer que l’art et la science vont de pair. Souvent, la complexité apparente du monde scientifique peut effrayer le grand public, et nous voulons, à travers cette exposition, mettre en lumière la beauté de la science. Cette exposition est annuelle depuis 2017. Nous avons sélectionné 16 images pour l’exposition StationShow, qui avaient été présentées entre 2017 et 2019. Tous les auteurs travaillent à l’Université de Lausanne dans la Faculté de Biologie et Médecine et la Faculté de Géosciences et Environnement. Grâce à cette exposition, vous pourrez découvrir la recherche scientifique qui se fait à Lausanne et apprécier à quel point la science peut être belle !

Visitez-nous sur www.figure1a-unil.com


The price for all images is estimated at CHF 120.-
Size of most images is 40 x 40cm.

The printing type is “Injection print on matt fibre paper Hahnemühle 200g”.

Le prix des images est estimé à CHF 120.-
La taille de la plupart des images est de 40 x 40 cm.

La technique d’impression utilisée est : “Injection print on matt fibre paper Hahnemühle 200g”.

Shane Synnott was born in Ireland in 1971. He received a BA in painting from the National College of Art and Design in Dublin and an MA in painting from the Royal College of Art in London. He has received several grants and awards including the CAP Foundation studio residency award in Dublin, the Artists’ Work Program Residency at the Irish Museum of Modern Art, the T.I. Group scholarship to the Royal College of Art and the Irish Arts Council Post Graduate Award. He has exhibited his work in Britain, Ireland and Europe. He lives and works in Geneva.

Artist Statement Dan Scher 

The paintings presented are from a series called « City Painting » which I began in 1990. It is an on going series about contemporary urban society. I grew up in Chicago and St. Louis, then lived in New York from 1981 to 2003. I wanted to find a language in painting which would communicate my ideas of urban life. 

For 10 years I searched for a consistent way to paint urban subjects. Then in 1990 I was riding a bus up Madison Ave. and I noticed a view framed by the bus window which cropped the pedestrian traffic at the shoulders. This gave me the idea for a language I could use to compose city paintings. It was this parallel view from the bus of people walking that initiated the dialogue I was looking for. 

I began making many composition studies, using observations from my walks around the city. I made drawings of legs and feet against a negative space of sidewalk. Then I introduced buildings into the negative space, making a structure of buildings, armes, legs, feet, torsos, briefcases, newspapers, umbrellas, shopping bags, and sidewalk. I limited the imagery to these objects and repeated them from composition to composition. 

Correspondingly, during this period, I developed a liking for jazz music and listened avidly to it on the radio. I heard a decidedly urban pace in syncopated jazz rhythms. I found color solutions in jazz harmonies and used color and contour to reflect the city’s pace. Today I continue my work with color and space, the figurative and the abstract.

Né à Neuchâtel en 1956, il étudie d’abord le piano avant de décider de se consacrer à la danse.

Après une formation professionnelle à la Ballettberufsschule Zürich, il débute sa carrière de danseur classique à l’Opernhaus Zürich avec Rudolf Noureev et au Grand-Théâtre de Genève avec Oscar Araiz.

Engagé comme danseur-soliste au Städtische Bühnen der Stadt Bielefeld, il s’installe en Allemagne pour 12 ans.

Après sa carrière d’interprète, il étudie la pédagogie de la danse classique à Vienne et obtient le diplôme d’état autrichien.

De retour en Suisse, il se fixe à Lausanne, puis à Vevey.

Continuant à danser avec diverses compagnies indépendantes de Suisse Romande et à enseigner la danse classique, il découvre les danses anciennes et se consacre à l’étude et la reconstitution des danses de la Renaissance, du Baroque et du 19^ème siècle.

Il crée et dirige la Compagnie de danse Les Boréades à Vevey, dans le but de faire connaître et vivre les danses historiques en organisant cours, stages de formation et en présentant régulièrement des événements et des spectacles originaux en collaboration avec des musiciens et des créateurs de costumes.

Parallèlement à son travail dans la danse et le théâtre, Alain Christen imagine des lieux idéalisés et des villes irréelles qu’il dessine en forme de plans. Cette passion, née à l’adolescence, ne le quitte plus et il continue à créer ainsi un monde personnel imaginaire, inspiré entre autre par ses voyages et les civilisations et cultures disparues.

N’ayant aucune formation dans les domaines des arts plastiques, il développe sa propre technique de dessin au crayon de couleur.

EXPO LES VILLES IMPROBABLES

Les N° 1 et 2 sont des œuvres réalisées en 2000. Sol Rex est une acropole, Séléné une île. Un clin d’œil à la célèbre chanson «Le Soleil a rendez-vous avec la Lune»

Les N° 3 - 4 - 5 ont été terminées en 2019. Elles font partie de la série Sanctuaires improbables 6 dessins de lieux sacrés imaginaires et atemporels, inspirés de pays et cultures du monde. Chaque ville est construite sur un même plan de base

La Cathédrale oubliée En France au Moyen-Âge Le Pic de l’Aigle En Inde, lieu de l’illumination du Bouddha Les Lettrés En Chine au temps de Confucius 12 Dieux En Grèce dans une antiquité retrouvée Lac d’Emeraude Sur une Planète, quelque part dans le futur Pyramides de Cristal En Egypte, mirage dans un désert

NOM : Khrissy

Visual Artist Photographer

TITRE DE L’EXPO : AROUND THE JAZZ FEST

DATE : 11 JUIN AU 19 JUILLET 2019

TECHNIQUE : Photographie d’art digitale

Hahnemühle Fine Art papier

Edition: 1/1

FORMAT : 60/80

CHF : 500.- pièce         

CHF  1’ 800.- série de 4

Biographie

 Khrissy

Artiste Suisse ayant passé une partie de son enfance en   Amérique latine, en Italie et aux Etats-Unis. A son retour en Suisse, elle étudie à l’Ecole d’Arts appliqués de Vevey et obtient son diplôme d’Arts visuels. Suite à un nouveau voyage à l’étranger, elle rentre en Suisse pour travailler et améliorer sa passion : la photographie.

Elle aime travailler la photographie numérique, argentique, laboratoire photo, la peinture et le dessin. Edite des livres sur divers thèmes sur demande. Ses œuvres sont diversifiées, avec des techniques et supports variés qui vont mettre en valeur ses clichés toujours inspirés du clair-obscur. Elle reste constamment ouverte à des nouveaux projets artistiques qui la font avancer.

www.khrissy.photography.com

Memory narratives

Nous savons maintenant que nos souvenirs ne sont pas des choses rigides ou fixes, mais sont transformés, désassemblés, et rassemblés, chaque fois que nous essayons de nous souvenir de quelque chose. Oliver Sacks, Neurologue. 

​

Juxtapositions de transparence, textures, gestes, formes et traces de couleur sur plexiglass ou toiles brutes explorent la question de la mémoire. Comment est-ce que nous nous représentons ce que nous pensons savoir et avoir vécu? 

​

Rien n’est figé, tout est aléatoire comme peut l’être la mémoire. Nos souvenirs peuvent être racontés et remémorés à l’infini selon le point de départ de notre récit. 

L’intérêt pour les questions de la perception et de la question du processus artistique a amené Naomi Middelmann à collaborer activement sur des projets de recherche avec des neuroscientifiques aux Etats-Unis, en Allemagne et en Suisse. Par ailleurs, elle a donné une conférence en 2015 avec le chef de Neurologie du HUG et des professeurs de l’UNIL en neurosciences. En 2016, elle fut invitée à donner une conférence lors d'une Journée d'Etudes organisée par la SIKISEA au Musée de Pully.  En amont d'APERTI 2017, elle a présenté une conférence au Palais de Rumine à Lausanne sur la subjectivité de la perception. Une nouvelle série de conférences est prévue fin 2019 en Allemagne et aux Etats Unis.

​

Née en Suisse, elle déménage à New York à l’âge de 16 ans. Après avoir obtenu un Bachelor en écriture créatif et relations internationales de la prestigieuse université Johns Hopkins, elle lance une maison d’édition avec un ami à New York. Revenue en Suisse elle obtient un diplôme postgrade en arts visuels du Visual Art School de Bâle en 2009.

​

Ses œuvres sont dans des collections publiques et privés aux USA, en Europe et Suisse.

​

Elle est membre de l’Association Artiste suisse, VISARTE, et présidente du comité APERTI.

Formation

Bachelor of Arts, Johns Hopkins University, USA

Postgraduate degree the Visual  Art School, Basel,  CH

Solo Exhibits (selection)

2008     Mercerie 12, Lausanne, CH

2010     Espace Tour, Lausanne, CH

2011     Gallery Arcane, Corcelles CH

2011     Gallery Pré-du-Marché, CH

2012     Gallery Edouard Roch, Ballens CH

2013     Gallery SpaceStation, Lausanne CH

2013     Gallery Arcane, Corcelles (NE), CH

2014     Gallery Edouard Roch, CH

2014     Gallery  EPFL, Lausanne, CH

2016     Gallery Edouard Roch, CH

2016     Space Station (Off space), CH

2016     Vanderbilt Brain Institute, USA

2016      Basel Klein Kunsthalle, Basel, CH

2017      Gallery Marek Kralewski, Freiburg, DE

2018     CDAC, Lausanne, CH

2019     Les Cubes, CH

2019    Gallery Space station, CH

2019     Galerie De Poche, CH

​

​​

Group Exhibits (selection)

2011      Xanadu Gallery, Scottsdale, USA

2012      Gallery Espace Aurore, CH

2012       JayKay Gallery, Carrouge, CH

2012     “International Drawing 2012”, The  Swiss Art Space , CH

2013      Gallery Edouard Roch, “30 years”, CH

2015      « Displaced » Node Gallery, Helsinki, FI

2015       EPFL Art space, Lausanne, CH

2015       “Swiss Contemporary Abstract”  

               Gallery Rossi, Geneva, CH

2015       Galerie Edouard Roch, Ballens CH

2016       Kunsthalle, Klein Basel, CH

2017       Gallery Edouard Roch, CH

2017       "Ouverture" Cdac gallery, CH

2017       Collective show "Cdac Gallery, CH

2018       "Livre d'artiste":  La galerie de Poche, CH

2018       Gouter d'Art, CDAC

2018       Artistes de la Galerie, Edouard Roch, CH

2019       Collectif du printemps, Edouard Roch, CH

​

​​

Art Fairs

2015      “Art Contemporaries” special project of   Art Athina, GR

2015       Art Vilnius , UFOFABRIK Gallery, LI

2015       CAR (Contemporary art Ruhr), DE

2015       Paratissima, Torino, UFOFABRIK,  IT

2016       Cuarto Publico, UfoFabrik, SP

2016       Verona Art Fair, UfoFabrik IT

2016       CAR , UfoFabrik, DE

2017       YIA Art Fair, via Kunsthalle Klein Basel, NL

2017       YIA Art Fair,  via Kunstlalle Kleinbasel, Basel, CH 

2018      JustLX, Lisboa, PT

2019      Hybrid art fair, Madrid via Kunsthalle Klein Basel

​

Acquisitions

In various major private and public collections in Switzerland, Europe and the USA

​

​

Publications, Catalogues, Media coverage

2012   Journal La liberté, Switzerland

2012   Catalogue « Art takes Miami», USA

2012   Drawing 2012, catalogue,  CH

2013    Journal de Moudon, Switzerland

2013   24 heures, Switzerland

2014    EPFL Flash magazine, CH

2015    24 Heures CH

2015   Cover art for Nov. issue Neuropsychologia

2015    Art Reveal magazine (5 page feature)

2016    Hardbib magazine feature story

2016    Gazette des Arts feature story

2016    Interview on CQFD; RTS 1

2016    Aperti X, Atelier et Intimité book

2016    Articulaction, Feature article

2016    Coverart for “Neuropsychologia”

2016    Coverart for “Trends in Neuroscience”

2016    24 Heures, CH

2017    Couleur 3, Radio interview, CH

2017     Badische Zeitung  solo exhibit review, DE

2019    Artiste à suivre, 24 heures, CH

​

Performance Art, academic conferences and public talks

2015    "Brains takes on art," Gallery Rossi, CH

2016    SIK ISEA Conference on the artistic process, Musée de Pully, CH

2017    "Subjectivity of perception",  Conférence Aperti, Palais de Rumine, CH

2017    "The notion of artistic research and its implications for education," conference at the HEP, Switzerland's Teacher's college CH

2017     "Finished, Unfinished" a participative  public performance and installation, CDAC, CH

2018      CNS, Boston, USA 

2018     Gouter D'art, CDAC, CH

​

​​

Scholarships and Prizes

​Scholarship for academic achievement, Hackley, New York

Samuel Eldridge Scholarship for Outstanding Academic Achievement, Johns Hopkins University

​2012    Scope Miami art fair billboard winner

2015  “ TINA” Prize finalist

2015    Saatchi art-prize semi-finalist

2015     Artavita Apexart semi-finalist

2015     "Art Special Contemporaries" art project, Art Arthina

2016   Curated Project for Verona art fair

​

​

Née en 1980 en France, de père bulgare et de mère suisse, Sofia Leconte Mitev peint depuis son enfance. A 17 ans, elle est lauréate de 8 concours régionaux de peinture et a exposé dans plus d’une quinzaine d’espaces. Puis elle est diplômée de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon. De 2001 à 2004, elle gère une galerie dans le quartier du Marais à Paris. En 2008, elle est la première femme choisie pour participer à la collection « en Puisaye », livres d’art contenant des lithographies de Miro, Adami, Segui, Les Lalanne, Alechinsky, Texier…

De 2011 à mi-2016, Sofia Leconte Mitev consacre son temps à l’adoption de deux enfants, à étudier l’art-thérapie ainsi qu’à animer des ateliers d’expression libre dans le domaine de la réinsertion sociale. Durant cette période, elle marque un ralentissement dans la production artistique, tout en se nourrissant de ce qu’elle vit tant dans le cadre de ses études que de ses ateliers. Depuis fin 2016, elle a repris ses explorations artistiques.

Sofia Leconte Mitev vit à Chesières, Suisse.

Evènements passés et à venir :

Expositions collectives

2018 Avec Benoit Lange, galerie Images et atmosphères, Aigle, Suisse

2017 Paratissima, Turin, Italie. Du 2 au 6 novembre.

2017 Art Market Budapest, Hongrie. Du 12 au 15 octobre

2017 StationShow, Place de la Gare 5, Lausanne. Du 30 juillet au 9 septembre

2017 Galerie Alpine, Villars-sur-Ollon, Suisse

2017 Setup Contemporary Artfair, Bologne, Italie. 27, 28, 29 janvier

2016 KUNST IM GEWERBEHAUS Q37, Im Attika, 3.OG des Gewerbehauses Q37, Quellenstrasse 37, 4310 Rheinfelden, Suisse.

2012 with Tony Soulié, Parcours de l’art, Avignon. Cloître Saint-louis, France

2012 Galerie Pascal Lainé, Caves de Visan. France

2011 Miami meets Zurich, Daniel Tanner gallery, Zurich, Suisse

2010 Jungkunst, Winterthur, Suisse

2010 Affordable Art Fair New York City, USA

2010 Galerie Artima, Paris, France

2010 Simple gallery, Gstaad, Suisse

2010 Jeff Stricoff fine arts, New York, USA

2009 Simple gallery, Gstaad, Suisse

2009 Hespe Gallery, San Francisco, USA

2008 With ALBEROLA / BOSSER / BRUETSCHY / QUESNIAUX / REMLINGER / SOULIE / TITUS-CARMEL / VIALLAT / VENET. Eric Linard Gallery, La Garde Adhémar, France

2007 « Tapis Rouge » Event, Lyon, France

Expositions personnelles

2013 OAI Vevey, Suisse

2011 Galerie Artima, Paris, France

2010 Tzarigradsko Chosse, Sofia, Bulgaria

2009 Galerie Passerelle des Art, Bordeaux, France

2009 Credit Agricole Private Bank, Geneva, Suisse

2008 Exposition en duo avec le sculpteur Ian Tyson, Artrium gallery, Genève, Suisse

2007 Galerie de Bellecour, Lyon, France

Ventes aux enchères

2008, 16 février Arles (SVV) HOLZ. Lot n° 151 - vendu

Arles (SVV) HOLZ. Lot n° 150 - vendu

2007, 17 Octobre Drouot (SVV) PIASA. Lot n° 357  - vendu

Livre d’artiste « en Puisaye »:

Créée en 1973 par Robert et Lydie Dutrou, la maison d’édition R.L.D est réputée dans le monde entier car elle est une des toutes dernières en France à proposer des lithographies, des gravures et des ouvrages de très grande qualité réalisés sur des presses du XIXe siècle.
Se sont associés avec R.L.D. de grands artistes et auteurs tels que Miro, Alechinsky, Arman, Texier, Tobiasse, Lalanne, Bettencourt, Miotte, Engel, Papart, Cortot, Segui, Tapiès…

Les cahiers d’art « En Puisaye » sont composés en typographie manuelle et illustrés de lithographies originales. Ils paraissent deux fois par an. Le numéro 21 est consacré à l’artiste Sofia Leconte Mitev, première femme a avoir été sélectionnée pour la réalisation de ce livre d’artiste.

Les précédents numéros sont consacrés à Miotte, Bettencourt, Alechinsky, Texier, Boni, Botti, le mouvement Cobra, Caux, Segui, Agosti, Adami, Cortot, Dorny, Miró, Lalanne, Nóvoa, Corneille, Waydelich, Di Rosa.

Ce livre d’artiste a été imprimé en 500 exemplaires sur Rivoli. Il est illustré de 4 lithographies originales de Sofia Leconte Mitev, dont la couverture et la page centrale gaufrées.

L’édition de tête comporte une gravure originale de l’artiste tirée sur papier Hahnemühle numérotée et signée de 1 à 80 et de E.A.I à E.A. XXV

En proposant un point de vue différent des représentations conventionnelles, j’invite le spectateur à stimuler son imaginaire en se perdant entre les ombres fugitives, les reflets changeants et les personnes et objets palpables. Je joue avec sa compréhension, lui propose un autre regard.

Dans la série des passants, on ne peut dissocier l’ombre de la personne : là où il y a lumière il y a ombre. L’accent mis sur l’ombre répand une nouvelle «lumière» sur notre environnement urbain et s’appuie sur les traditions et les croyances des civilisations pour lesquelles l’ombre faisait partie de l’âme, mais aussi sur la psychologie analytique: selon Jung, l’ombre symbolise tout ce que la personne refuse de reconnaitre et d’admettre en lui. Lorsqu’on observe l’ombre, à une certaine heure, elle semble révéler des traits de la personne, dont certains qu’on ne pourrait appréhender en la regardant de face. Le spectateur se sent comme un espion, observant sans se faire démasquer. On se prend alors à imaginer la vie du sujet : Qui est cette personne ? Où va-t-elle ? Quel âge a-t-elle ? Que porte-t-elle dans son sac ? Pourquoi marche-t-elle ainsi ?...

Cette invitation à observer différemment se retrouve aussi dans ma série de reflets d’immeubles: Qu’observe le spectateur ? À première vue, des erreurs de perspective, des anomalies de construction. Après un temps d’observation, il comprend pourquoi les fenêtres sont incurvées, pourquoi elles sont parfois accrochées au ciel. De l’abstrait nait la réalité, réalité aussi fugace que l’ombre, car impliquant l’environnement, la lumière, l’angle et les aléas.

Le temps de recul est nécessaire à la compréhension de mes travaux. C’est en prenant ce temps d’observation du phénomène qu’on le saisit. Phénomène fugitif, changeant donc non reproductible.

Approcher mon travail nécessite une posture phénoménologique.

Exposition chez StationShow du 27.01.2019 au 10.03.2019

Damien Jaccard

Alias.

Myart Armada

L’influence de Picasso

C’est en 1988, en regardant un reportage sur Picasso. Ce dernier était en train de peindre un coq derrière une vitre à main levée et sans lever le pinceau. Et ce jusqu’à la forme complète, et c'est à cet instant que j’ai eu une révélation.

La révélation

C’est à ce moment que j’ai eu l’envie aussi de m’essayer à dessiner des objets, des formes, sans lever mon crayon, mon feutre, ma plume ; je suivais ma ligne conductrice.

Ma ligne conductrice ou Oneline

Ce fût le départ de ma propre Oneline, c’est à dire créer une ligne qui corresponde à un cheminement intérieur, d’y mêler plusieurs symboles dans une palette de couleurs très vives.

L’évolution

Mes premières Oneline ou lignes conductrices étaient très basiques, puis avec le temps et aussi grâce à l’informatique, en particulier avec le logiciel Paint de Microsoft Office, j’ai pu y développer le concept myart.

Le modèle

Le modèle, reprit tel un leitmotiv, est un tableau du 19ème, L'Angelus de Millet. Ces deux corps, féminin et masculin, m'évoque, un souvenir d'enfance, l'union entre deux êtres, ainsi que l'histoire personnelle entre ce tableau et Dali.

Arte Povera

Série exposée en 2018 : Volière pour l’égo

Bio express:

Expo chez StationShow du 4.11.2018 au 16.12.2018

Luc Sterchi, artiste plasticien, Né à Delémont (Jura) en 1961

Études à la KGS de Bâle et À l’ECBA de Lausanne, Diplôme en peinture en 1986

Expose régulièrement son travail depuis 1987 Vit actuellement à Moudon (vd)

Volière pour l’égo, 1 à 5, 2014 à 2016

Dimensions environ 35 x 60 x 12 cm

Carton collé

1500.- / pièce

Ma série avec les formations montagneuses est un travail sur la profondeur, les formes, les courbes et les ombres.

Je suis inspirée par un endroit, un rocher ou une cime qui se transforme ensuite en une montagne imaginaire avec la technique de la gravure ou du collage.

Le Danemark est mon pays d’origine et je vis maintenant à Vevey, en face du Grammont et des Dents du Midi.

CV

Heike Schildhauer est née en 1966 à Genève. Après une maturité fédérale au Collège Voltaire à Genève, elle obtient un diplôme de verrier créatrice en 1990. Elle pratique ce métier pendant plusieurs années, avant de se tourner vers la peinture et la sculpture. En 2009, elle obtient un diplôme DAS, section REALisation céramique et polymère au CERCCO, Centre d’expérimentation et de réalisation en Céramique Contemporaine à la HEAD-GE ( Haute Ecole d’Art et de Design, Genève ). En 2012-2014, elle complète sa formation en céramique à l’Ecole des arts appliqués de Vevey. Heike Schildhauer est une plasticienne suisse qui expose dans des collectives et en solo surtout en Suisse mais aussi en Belgique, en France et en Hollande. L’artiste vit et travaille à Morges, Suisse. Elle fait partie de l’association Visarte Vaud.

Participations récentes à des expositions collectives

2014 Dessins et monotypes, Galerie Hofstetter, Fribourg - CH
2013 Once upon a time, sculptures, Galerie C, Neuchâtel - CH
2013 De l'inachevé, dessins, Halles CFF aux locomotives ,VISARTE Vaud, Lausanne-         CH ; Curateurs : Christian Jelk,

2012 Kunst LoKal, installation, Kultur-Rheinfelden, Kurbrunnenanlage,

Rheinfelden – CH, Curatrice: Ruth Loibl
2012 Show your colours, installation, VISARTE Vaud, Espace Arlaud, Lausanne - CH ;          Curatrice : Marjan Verheage
2011 Show your colours, Villa de Olmen, Wieze - B ; Curatrice : Marjan Verheage
2011 Born, sculptures, Galerie C, Neuchâtel - CH

Expositions solo récentes

2014 A Armes égales, objets, installation, photographies, avec Patricia Glave, Musée militaire vaudois, Morges-CH

2014 Enfance, monotypes, avec Patricia Glave, Musée Alexis Forel, Morges-CH

2013 Cajolierung, dessins, objets, installations, Galerie d'(A), Lausanne-CH
2012 Vitrine Oloap, installation, Galerie Oloap, Vitrines de la rue des Fossés,Morge-CH
2011 Don't worry, installations,Galerie d'(A), Lausanne-CH
2010 Codex Geneticum, installation, Galerie Oloap, Vitrines de la rue des Fossés, Morges – CH

Démarche artistique

Fascinée par les savoir-faires et les techniques artisanales, Heike Schildhauer dévelloppe un travail autour de la matière et de son processus d’élaboration. Elle aime découvrir en manipulant, croyant au « hasard provoqué » pour trouver ce qu’elle n’a pas cherché.

Ces phénomènes, que l’on pourrait aussi appelés « découvertes accidentelles », elle les exploite exthétiquement pour fabriquer un monde ou les objets, étranges et familiers à la fois, sont l’expression d’un état intermédiaire de la réalité.

Un monde fabriqué, qui réactive les peurs et les rêves de l’enfance, les inhibitions et les fantasmes de l’âge adulte, pour mettre en dialogue des éléments de la mémoire et ceux du quotidien.

Le travail qu’elle présente dans la vitrine de Stationshow aborde le paradoxe qui existe bien souvent entre la violence, le pouvoir et la séduction des armes. La série des « Morgensterns » comprend 7 pièces en porcelaine estampées dans un moule en plâtre réalisé sur un une massue originale. La particularité de la mise en œuvre est la technique du nériage ou le dessin est formé dans la masse à partir d’une dizaine de terre de base colorée. Les pièces une fois cuites à hautes températures sont poncées au diamant. Au fur et à mesure des gestes, la matière se révèle dure et scintillante comme celle de certaine pierre semi-précieuse et douce comme le marbre. Une sublimation de la matière dont le pouvoir réfléchissant renvoie à la préciosité, à la permanence et à l’incorruptibilité de l’objet.

L’arme ainsi travaillée devient un objet de désir que l’on a envie de posséder, de manipuler etde caresser. Si sa valeur d’usage est devenue anecdotique par rapport à sa valeur symbolique, le morgenstern, recouvert d’une nouvelle vertu, devient alors un accessoire de séduction, de désir et de volupté, symbole des pulsions et des phantasmes érotiques.

Lucia Masu (1973, Alghero-Italie) vit et travaille à Lausanne. Elle a fait ses études à l’Académie des Beaux-Arts de Sassari, en Italie, section Peinture et ensuite elle a obtenu le Diplôme de Restauratrice de tableaux à Florence. Elle a travaillé dans le domaine de la Restauration d’art en Angleterre (Londres) et en Suisse. 

Les procédés et les matériaux utilisés dans la restauration ont eu une influence sur sa pratique artistique et ont nourri la réflexion sur la mémoire, la fragilité et la conservation des « traces » humaines. 

Les domaines de la psychologie, de la philosophie occidentale et orientale, contribuent à inspirer sa recherche avec de concepts, métaphores et images qui convergent dans la réprésentation du corps, en tant que incarnation de problématiques identiraires. 

La série Ombilical est une réflexion sur le lien invisible et profond qui nous relie à nos origines familiales et culturelles. Le nombril est la première cicatrice du corps, trace de la séparation avec la mère et le cordon ombilical est le membre phantôme qui nous rattache aux images premières.

Hélia Aluai - Exposition chez StationShow du 8 Avril 2018 au 20 mai 2018

Ma recherche artistique se focalise autour de l’identité, du JE, de façon « plurielle ». L’identité, la mémoire, la temporalité...

Qui sommes-nous? et que croyons-nous être ? sont les questions qui guident ma main.

La mémoire en tant qu'héritage historique,l’intimité et le monde extérieur, le provisoire et le définitif, le temps comme "modulateur du nous" sont autant de concepts qui se côtoient et se répondent dans mes œuvres.

SHE_ELLE_ELA
Technique : broderie Dimensions : 1,45 m x 1,85 m Prix : 1800.-
2018

Biographie

Hélia Aluai est née au Cap-Vert en 1973. Très tôt, elle rentre à Espinho, au Portugal où elle passe son enfance et une grande partie de son adolescence. Plus tard, elle déménage à Porto où en 2000, elle termine une formation supérieure en beaux-arts, sculpture au F.B.A.U.P. (Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto – École supérieure de beaux-arts de l’université du Porto).

En janvier 2014, elle termine un master en architecture à l’E.S.A.P. (Escola Superior Artística do Porto - École supérieure artistique de Porto).

Entre autres activités, elle a enseigné le dessin. Elle a également appartenu à l’atelier de cinéma d’animation du CINANIMA où, en 1998, elle est invitée à faire partie du jury.

À partir de 2010, elle se consacre au développement de sa recherche artistique pour laquelle elle a gagné quelques prix.

Actuellement, elle vit à Lausanne où elle travaille dans le domaine de la scénographie et de l’illustration.

www.helialuai.com

helialuai@icloud.com 

LUC IMSAND

Web site : www.imsand.ch

BIOGRAPHY

1983

Usa Athens, University of Georgia (UGA), English studies

1984/1985

Usa Atlanta, several art schools, college

1986

Usa Boston, School of the museum of fine arts

Internship with T.C. Fitzgerald, state house photographer of Massachusetts and Kennedy’s family

1987

Switzerland, Art center europe, college of design (Pasadena)

1987/1992

Switzerland, work as a computer graphic operator and painting

1993

Usa Atlanta, operator at CNN/Headline News

1994/2000

Lausanne, painting

2000/2001

Glasgow, painting

Since 2002

Works and lives in Lausanne, Switzerland with stay in South America and East Asia

EXIBITIONS (SELECTIONS)

2015

Basel, VisArte, Projektraum M54. Oil, group show

2008

Turin, Artissima w/ Gallery Svestka. Oil and acrylic, group show

2007

Lille, Galerie Annie Wable. Bar ouvert, Acrylic and Oil, duo show w/Henri Heidersheid

Bratislava, Institut français. Peintures de vie urbaines – Retrospective, Acrylic and Oil, one man show. Support by the Swiss Embassy, Bratislava

Prague, Gallery Svestka ,Acrochage 2007, Acrylic and Oil, group show. With Tony Cragg, Jörg Immmendorff among others

Turin, Artissima w/ Gallery Svestka. Oil and acrylic, group show

2004

Miami, Museum of the Americas. A latin american painting diaries, Oil and acrylic, one man show

2003

Rotterdam, Pakhuis 6. The lonely road, Oil and acrylic, duo show w/Lisa van Noorden, acrylic. Support by the Swiss Embassy, The Hague

2001

Glasgow, The prject room. Acrylic, group show

2000

Lausanne, Galerie du Chêne (Vallotton). Acrylic, group show

1999

Paris, Galerie Maig Davaud. Acrylic, group show

1998

Lausanne, Galerie Parti Pris. Acrylic, one man show

Düsseldorf, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Glasgow, Lloyd Jerome Gallery. Acrylic, one man show

1997

Lausanne, Le Blanc des Cieux. Acrylic, group show

Düsseldorf, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Bad Doberan, Galerie Kontraste. Acrylic, group show

Bonn, Galerie Essig

« Junger Kunstlers » Acrylic, group show

Lausanne, Bally dept. Store. Acrylic,one man show

Stuttgart, Profikids. Computer prints on Agfachrome & acrylic, one man show

1996

Lausanne, Galerie Parti Pris. Acrylic & charcoal drawings, one man show

Clarens/Montreux, Clinique La Prairie. Acrylic, one man show

1994

Geneva, La Galerie. Acrylic & charcoal drawings, one man show

1990

Geneva, Galerie Shirley. Computer prints on Agfachrome, group show

*****

Biographie de Benoît Campiche, né le 30 avril 1987

Tout le monde a peint étant enfant. Lui fait partie de ceux qui n'ont jamais arrêté.

Après avoir étudié les Arts visuels dans différentes écoles, Ben se lance pleinement dans la peinture à 23 ans. L'artiste nous offre rapidement une palette de sujets figuratifs, de styles et de techniques qui laissent la plupart des galeristes troublés devant tant de variété.

En effet Ben se cherche, veut constamment faire évoluer son art et est souvent assailli par son imagination et son envie de toucher à tout.

C'est par hasard, durant ses expérimentations, qu'il découvre qu'il peut graver la chaux appliquée au fer, remplir les sillons d'une autre couleur puis poncer le tout pour faire apparaître le motif.

D'abord découragé par le matériau, difficile à travailler, imposant des contraintes chimiques complexes et réservant une foule de surprises, il se rend compte que cette technique n'existe quasiment pas dans le monde de l'art et finit donc par décider d'en faire son œuvre principale.

Ses tableaux en chaux ont un aspect de surfaces totalement lisses et sont pourtant dotés d'une profondeur de textures redoutable. Colorés exclusivement de pigments naturels, ses gravures décrivent un univers délicat et puissant, nous amenant du coup de cœur visuel à la contemplation sereine.

Benoît Campiche biography, born the 30 of april 1987

As a kid, everybody have painted. He's one of those that never stopped.

After having studied visual Arts in differents schools, Ben launches himself plainely in painting at 23 years old. The artist soon gives us a palette of figurative subjects, styles and techniques that leaves most galerists bothered by a such variety.

Indeed Ben is searching himself, constantly wants make his art evolve and is often assailed by his imagination and his touch-everything envies.

It is by chance, during his experiments, that he discovers he can engrave ironed slacked lime, fill the grooves with an other color and then sand the whole to make the pattern appear.

At first discouraged by the material, hard to work with, imposing complex chemical restristings and reserving a bunch of surprises, he realises that this technique is mostly uncommon in the world of art and therefore decides himself to make it his main artwork.

His paintings with slacked lime have a totally smooth surfaces aspect and have yet formidably deep textures. Colored exclusively with natural pigments, his engravings describe a delicate and powerfull universe, bringing us from visual strike to serene contemplation.

D’origine autrichienne, née en 1965, je suis installée depuis 1988 sur la Riviera vaudoise. Il y a quelque temps déjà, je suis devenue suissesse. 

C’est surtout la peinture à l’huile et les crayons qui me donnent les sensations recherchées. Mon regard observateur sur la société et l’environnement me pousse instinctivement à assimiler mes réflexions dans la peinture. 

L'être humain et ses états d'âme - c'est mon sujet de prédilection. Capter en lignes et en couleurs les relations entre humains, le monde des émotions, songer sur le sens de la vie et remettre en question les acquis constituent le fond intellectuel de ma peinture.

Marianne Antoniades

Atelier : Route St. Maurice 273, 1814 La Tour-de-Peilz

Tél : 079 686 24 35

http://www.antoniades.weebly.com

Performance de 18h15 à 18h35

Voyageuse, voyageur,
passants
de quelques instants,  apparition
entre quelques pages au présent
présence.

LEA LUND & ERIK K

NEW YORK, OCTOBRE 2014

Adeptes du mélange des genres, Lea Lund et Erik K cassent les codes pour capter des ambiances empruntées au reportage, au portrait, aux photos de mode ou d'architecture, dans un style brut devenu leur signature : un traitement noir et blanc qui semble avoir été taillé au scalpel.

Le concept de l'artiste et sa muse est bien connu ; que l'on se souvienne de Kiki de Montparnasse, de Frida et Diego, ou de Lee Miller et Man Ray. La muse ici c'est Erik K, bel homme, dandy et la photographe, Lea Lund.

Lea derrière son objectif, est le chef d'orchestre, elle ose un noir et blanc d'une densité exceptionnelle, onirique, griffé, hanté par un travail de gravure pour la plupart des œuvres. Nous découvrons le sujet majeur inhérent à l'intégralité des compositions photographiques créées par le couple d'artistes : le sublime, et sa fragilité.

Si le dandy est hors du temps, il est aussi hors de l'espace. Par essence, il a sa place partout. L'exotisme de son décalage permanent ne saurait cesser lorsqu'il franchit la frontière de tel ou tel pays que ce soit à Lausanne, Paris, Rotterdam, Milan, Londres, Berlin, Séville, Marseille, New York, Lubumbashi ou Kinshasa. Photographe et modèle cherchent et trouvent ensemble décors et situations : bâtiments et structures de métal puissant et vastes cieux habités de lumières fulgurantes. D'autres images montrent Erik dans les coulisses de métropoles grandioses ou devant des constructions   gigan-tesques qui semblent au bord de l'anéantissement, allusion aux arrière-plans fantas-tiques de films expressionnistes tels que Metropolis – ou surgissant du chaos. Agissant comme un time traveller, Erik nous présente le monde, il l'anime et le reflète en même temps, nous suivons ce héros, nous nous identifions à lui au travers de ses aventures.

Lea Lund nous rend le monde plus beau, plus compréhensible, plus surprenant, en tout cas, plus précieux. C'est cela qui frappe et qui montre le chemin parcouru, Erik n'est plus un modèle et ne pose plus : il est là. Dans ces véritables « paysages avec figure présente », impassible, intemporel, marmoréen, impénétrable, il se fond dans l'image, se laisse traverser par le regard de la photographe. Il n'est plus le compagnon, il n'est même plus humain, il est la mélancolie, la poésie, la nostalgie, la modernité, l'abandon, la sérénité, l'appel du large, la sensibilité que l'artiste crée et impose de son seul regard. Il n'est pas courant d'être confronté et d'avoir le plaisir de partager des photos sui generis, c'est une grande et belle découverte que le travail de Lea Lund avec Erik. Et c'est un merveilleux exemple de ce que peut inspirer une muse.

BIOGRAPHIES

Lea Lund est née à Lausanne. Diplômée en 1986 de l'ECAL, elle vit et travaille depuis 1990 entre Lausanne et Paris. Artiste plasticienne, elle consacre depuis toujours une part importante de son art à la photographie, s'intéressant particulièrement aux portraits et à l'architecture. Sa créativité a toujours été intimement liée à sa vie. Sa rencontre avec Erik K en juillet 2011, est à l'origine d'une œuvre photographique obsessionnelle dont il est l'unique sujet.

Erik K est né à Lubumbashi, au Zaïre, il vit en Suisse depuis 1998. Son allure élégante fait entièrement partie de sa personnalité. C'est un dandy. Très tôt, il crée son style, et dessine le chapeau duquel il ne se sépare jamais. Sa rencontre avec Lea Lund le conduit à découvrir une passion pour la gravure, à laquelle il consacre une grande partie de son temps.

Lea Lund& Erik K en quelques dates :

2018 : Galeries Royales d'Ostende

2017 : La Galerie Africaine, Paris + Mac'A, Cloître Saint-Louis, Avignon + 8e regard photographique, Saint-Laurent-du-Var + Rencontres de la photographie d'Arles + Silke Lerche Global, Munich

2016 : X Septembre Gallery, Luxembourg + Galerie Anne & Just Jaeckin, Paris + Pièces à Conviction, Lausanne + Ex Nihilo, Grenoble + Rencontres de la photographie d'Arles 2015 : Anne et Just Jaeckin, Paris + Fischer Lichtgestaltung, Cologne

2014 :  Fotofever, Paris + Photobastei, Zurich + ESF, Lausanne + Little Big Galerie, Paris 2013 :  Lichtfeld, Bâle+ Espace des Télégraphes, Lausanne

2012 : Kinshasa, dans le cadre du XIVe sommet de la francophonie + Espace Richterbuxtorf, Lausanne     

Au fil des pages et des années
les livres et leurs images
ont rempli mes étagères
des moments captés à travers les temps
par des photographes d’un jour
ou aguerris, pour tracer une mémoire,
respirer un présent.

Comme un livre de famille, je détaille
ces corps, ces rues, ces maisons,
des inconnus, des ancêtres…
Je consulte ces images, comme un fils,
petit-fils, plongé dans une mémoire oubliée.

Composer, découper, recoller des fragments,
des morceaux de vie, de voyages, dans un monde disparu. 

Griffures de mes ongles métalliques,
pointes, fines traces, liens invisibles, écritures
chuchotées et me voilà accompagné,
accompagnant ces destins mystérieux.

Instant unique, œuvre unique,
rencontre improbable du papier trouvé et de l’encre posée sur la matrice, recevoir l’encre
complice du hasard et chant d’une nouvelle histoire.

Cette recherche est possible et se réalise grâce au merveilleux soutient de Raymond Meyer, toutes les gravures ont été tirées dans son atelier de Lutry.
Ainsi que la complicité de Michel Cap et Charles Hersperger.

Mes remerciements à Souad et Dan pour l’expo.

Dominique Gigante

Instagram : https://www.instagram.com/dominique_gigante/?hl=fr

Née en 1980 en France, de père bulgare et de mère suisse, Sofia Leconte Mitev peint depuis son enfance. A 17 ans, elle est lauréate de 8 concours régionaux de peinture et a exposé dans plus d’une quinzaine d’espaces. Puis elle est diplômée de l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon. De 2001 à 2004, elle gère une galerie dans le quartier du Marais à Paris. En 2008, elle est la première femme choisie pour participer à la collection « en Puisaye », livres d’art contenant des lithographies de Miro, Adami, Segui, Les Lalanne, Alechinsky, Texier…

De 2011 à mi-2016, Sofia Leconte Mitev consacre son temps à l’adoption de deux enfants, à étudier l’art-thérapie ainsi qu’à animer des ateliers d’expression libre dans le domaine de la réinsertion sociale. Durant cette période, elle marque un ralentissement dans la production artistique, tout en se nourrissant de ce qu’elle vit tant dans le cadre de ses études que de ses ateliers. Depuis fin 2016, elle a repris ses explorations artistiques.

Sofia Leconte Mitev vit à Chesières, Suisse.

Evènements passés et à venir :

Expositions collectives

2018 Avec Benoit Lange, galerie Images et atmosphères, Aigle, Suisse

2017 Paratissima, Turin, Italie. Du 2 au 6 novembre.

2017 Art Market Budapest, Hongrie. Du 12 au 15 octobre

2017 StationShow, Place de la Gare 5, Lausanne. Du 30 juillet au 9 septembre

2017 Galerie Alpine, Villars-sur-Ollon, Suisse

2017 Setup Contemporary Artfair, Bologne, Italie. 27, 28, 29 janvier

2016 KUNST IM GEWERBEHAUS Q37, Im Attika, 3.OG des Gewerbehauses Q37, Quellenstrasse 37, 4310 Rheinfelden, Suisse.

2012 with Tony Soulié, Parcours de l’art, Avignon. Cloître Saint-louis, France

2012 Galerie Pascal Lainé, Caves de Visan. France

2011 Miami meets Zurich, Daniel Tanner gallery, Zurich, Suisse

2010 Jungkunst, Winterthur, Suisse

2010 Affordable Art Fair New York City, USA

2010 Galerie Artima, Paris, France

2010 Simple gallery, Gstaad, Suisse

2010 Jeff Stricoff fine arts, New York, USA

2009 Simple gallery, Gstaad, Suisse

2009 Hespe Gallery, San Francisco, USA

2008 With ALBEROLA / BOSSER / BRUETSCHY / QUESNIAUX / REMLINGER / SOULIE / TITUS-CARMEL / VIALLAT / VENET. Eric Linard Gallery, La Garde Adhémar, France

2007 « Tapis Rouge » Event, Lyon, France

Expositions personnelles

2013 OAI Vevey, Suisse

2011 Galerie Artima, Paris, France

2010 Tzarigradsko Chosse, Sofia, Bulgaria

2009 Galerie Passerelle des Art, Bordeaux, France

2009 Credit Agricole Private Bank, Geneva, Suisse

2008 Exposition en duo avec le sculpteur Ian Tyson, Artrium gallery, Genève, Suisse

2007 Galerie de Bellecour, Lyon, France

Ventes aux enchères

2008, 16 février Arles (SVV) HOLZ. Lot n° 151 - vendu

Arles (SVV) HOLZ. Lot n° 150 - vendu

2007, 17 Octobre Drouot (SVV) PIASA. Lot n° 357  - vendu

Livre d’artiste « en Puisaye »:

Créée en 1973 par Robert et Lydie Dutrou, la maison d’édition R.L.D est réputée dans le monde entier car elle est une des toutes dernières en France à proposer des lithographies, des gravures et des ouvrages de très grande qualité réalisés sur des presses du XIXe siècle.
Se sont associés avec R.L.D. de grands artistes et auteurs tels que Miro, Alechinsky, Arman, Texier, Tobiasse, Lalanne, Bettencourt, Miotte, Engel, Papart, Cortot, Segui, Tapiès…

Les cahiers d’art « En Puisaye » sont composés en typographie manuelle et illustrés de lithographies originales. Ils paraissent deux fois par an. Le numéro 21 est consacré à l’artiste Sofia Leconte Mitev, première femme a avoir été sélectionnée pour la réalisation de ce livre d’artiste.

Les précédents numéros sont consacrés à Miotte, Bettencourt, Alechinsky, Texier, Boni, Botti, le mouvement Cobra, Caux, Segui, Agosti, Adami, Cortot, Dorny, Miró, Lalanne, Nóvoa, Corneille, Waydelich, Di Rosa.

Ce livre d’artiste a été imprimé en 500 exemplaires sur Rivoli. Il est illustré de 4 lithographies originales de Sofia Leconte Mitev, dont la couverture et la page centrale gaufrées.

L’édition de tête comporte une gravure originale de l’artiste tirée sur papier Hahnemühle numérotée et signée de 1 à 80 et de E.A.I à E.A. XXV

En proposant un point de vue différent des représentations conventionnelles, j’invite le spectateur à stimuler son imaginaire en se perdant entre les ombres fugitives, les reflets changeants et les personnes et objets palpables. Je joue avec sa compréhension, lui propose un autre regard.

Dans la série des passants, on ne peut dissocier l’ombre de la personne : là où il y a lumière il y a ombre. L’accent mis sur l’ombre répand une nouvelle «lumière» sur notre environnement urbain et s’appuie sur les traditions et les croyances des civilisations pour lesquelles l’ombre faisait partie de l’âme, mais aussi sur la psychologie analytique: selon Jung, l’ombre symbolise tout ce que la personne refuse de reconnaitre et d’admettre en lui. Lorsqu’on observe l’ombre, à une certaine heure, elle semble révéler des traits de la personne, dont certains qu’on ne pourrait appréhender en la regardant de face. Le spectateur se sent comme un espion, observant sans se faire démasquer. On se prend alors à imaginer la vie du sujet : Qui est cette personne ? Où va-t-elle ? Quel âge a-t-elle ? Que porte-t-elle dans son sac ? Pourquoi marche-t-elle ainsi ?...

Cette invitation à observer différemment se retrouve aussi dans ma série de reflets d’immeubles: Qu’observe le spectateur ? À première vue, des erreurs de perspective, des anomalies de construction. Après un temps d’observation, il comprend pourquoi les fenêtres sont incurvées, pourquoi elles sont parfois accrochées au ciel. De l’abstrait nait la réalité, réalité aussi fugace que l’ombre, car impliquant l’environnement, la lumière, l’angle et les aléas.

Le temps de recul est nécessaire à la compréhension de mes travaux. C’est en prenant ce temps d’observation du phénomène qu’on le saisit. Phénomène fugitif, changeant donc non reproductible.

Approcher mon travail nécessite une posture phénoménologique.

Exposition chez StationShow du 18.06.2017 au 30.07.2017

Valérie Portmann (1979)

Artiste plasticienne, vit et travaille à Lausanne.

Formation en arts visuels à l’ECAV, Sierre et postdiplôme en céramique contemporaine à la HEAD, Genève.

« Have you ever felt like a scuba diver lost in the jungle? » 2017

Peinture réalisée sur du papier-carton.

L’intention est de proposer une pièce « atmosphérique » avec un titre qui interpelle. La question évoque la sensation d’avoir un équipement (ici de plongée) qui ne serait pas adéquat selon la situation présente, autrement dit le fait de se trouver en décalage.

En empruntant le passage sous voies, on peut soit aux heures de pointe avoir un sentiment d’agglutinement car beaucoup de personnes s’en vont travailler ou prendre une correspondance, soit aux heures creuses se sentir plutôt esseulé. Il s’agit dans les deux cas d’un état transitoire, nous ne sommes pas encore au « bon endroit » ou arrivés à destination, même si c’est un passage nécessaire. L’idée est de retranscrire cette sensation commune à tout un chacun empruntant ce passage.

Il s’agit avant tout d’interpeller le passant avec une question directe mais décalée voire étrange de prime abord, que chacun peut transposer le temps d’un instant selon sa perception. Ou comment tenter de sublimer une banalité vécue au quotidien avec une réalisation plastique.

Technique : peinture acrylique en spray

Dimension : 1,5 x 3,2 m

Prix : chf 500.-

Exposition chez StationShow Du 14.05.2017 au 18.06.2017

Née en 1956 à Cologne, Haydé est d’origine iranienne.

En 1983, elle obtient le diplôme de graphisme de l’Ecole cantonale des Beaux-Arts de Lausanne.
Haydé a travaillé pendant dix ans avec le magazine « l’Hebdo » comme illustratrice pour les deux rubriques Cuisine et Tentations.

Elle a concue les peintures murales du secteur des urgences
de pédiatrie et des chambres du CHUV de Lausanne ainsi que les murs d’un centre d’acceuil à Yverdon-les-Bains.

Depuis 1997, elle est la créatrice de la collection « Milton » à la Joie de lire, sont chat qui a vécu 18 ans auprès d’elle et qui est devenu sa mascotte.
Sont premier album a gagné le prix « Les plus beaux livres suisses »
Il existe une dizaine d’albums Milton traduits en plusieures langues

du Portugais au Japonais en passant par les USA et la Chine.
Sa première bd en 2010 qui est basé sur une aventure de son chat Milton
et qui a pour titre, "La fugue de Milton" est inspirée par la vrai disparition
de quelques jours de son chat à Lausanne.
Elle participe régulièrement a des ateliers dans des écoles autour des livres de Milton avec les enfants.
Elle travaille avec Raynald Métraux, lithographe connu sur la place de Lausanne, où ils ont récemment produits ensemble les 6 lithographies exposées en ce moment à Stationshow à la gare de la même ville.

Dans son atelier à Lausanne, Haydé crée les affiches et l’image du Petit Théâtre depuis bientôt 20 ans Elle collabore régulièrement à des projets de la Municipalité qui concernent l’enfance et la santé publique.

Elle expose régulièrement dans differentes espaces et galeries entre Lausanne et Genève. Elle travaille essentiellement dans les domaines culinaires, animalières en peintures ou en illustration.
Elle continue la collection Milton et prépare d’autre sujets de livres
avec son éditrice, Francine Bouchet, à la Joie de Lire à Genève. 

Images : Haydé et Editions Atelier Metraux

Toutes les informations concernant les oeuvres se trouvent sur le site de l'atelier Metraux.

Évènements spéciaux chez StationShow du 07.05.2017 au 14.05.2017

Performance planning du Vendredi 12 Mai 2017 :

tout le temps voix et batterie/percussions

Guests

8h00-8h20        en duo

10h00-10h20     + un autre percussionniste (Félix Bettems)

12h00-12h20      + clarinette basse (Kevin Sommer)

13h30-13h50      + contrebasse (Jules Martinet)

15h30-15h50      + saxophone alto (Micaël Vuataz)

17h30-17h50        en duo                

Project description :

À Travers est une performance musicale conçue par Duo Tempête pour la vitrine du StationShow. Au fil de la journée, les musiciens vont jouer derrière la glace, improvisant devant les passants, les invitant à s’arrêter et écouter. Une heureuse irruption du mouvement perpétuel quotidien, arrêt momentané.

Il s’agit pour le duo d’une première performance pour un projet qui aimerait s’exposer; aller se donner au public, pour leur offrir un quelque chose, un jour au hasard.

C’est à l’HEMU Jazz à Lausanne que se rencontrent Emile Schaffner et Yann Hunziker en octobre 2015. Depuis, le duo ne cesse de créer dans différents projets, entre jazz moderne et créations contemporaines. Il a eu l’opportunité de jouer à la dernière TEDxFribourg, et prépare un premier album.

Exposition chez StationShow du 26 mars 2017 au 7 mai 2017

Miroslav Marsalek et Patricia Terrapon Leguizamon vivent et travaillent à Genève.

L’un s’adonne au dessin et à la peinture, l’autre à la sculpture, la céramique et aux installations.

” Spinnst du? ” est un travail en commun. 

Prix : Dessins à l’encre sur papier format A4: 100.- la pièce

Spinnst du? 

Une installation, une accumulation, une récupération, une sorte d’art de rebuts. 

Thématique: 

Spinnst du? As-tu une araignée au plafond? 

La question proverbiale nous semble être plus drôle dite en allemand. 

Désordre, hasard, irrationalité, fruit du rêve et des automatismes de la pensée, l’activité n’est pas consciente. 

La folie, la phobie, la toile: le web. 

Le cadavre d’un parapluie réduit à son squelette est étonnamment arachnoïde. 

” Beau comme un parapluie descendant de la table de dissection.” 

Références: 

Lautréamont: ”Beau comme” (…); et surtout, comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à coudre et d’un parapluie! 

”Les Chants de Maldoror ”, chant VI. 

Le surréalisme, le dada, le nouveau réalisme, le néo-dada revu par le pop. 

Une invasion 

Le parapluie, symbole du bourgeois et de l’industrie, s’accumule ici en une sorte de monstre arachnéen qui nous envahit inconsciemment. 

Ce processus se reflète dans les dessins. 

Une accumulation d’éléments qui nous fait oublier les détails et nous amène vers une texture, une masse insectoïde menaçante. La toile d’araignée est un piège, un filet, un réseau d’informations, un réseau de chemins. 

Ecologie, une culture jetable, la fragilité des baleines. 

Cette installation peut évoquer aussi la victoire de Mère Nature sur la Technologie fragile. 

Des millions de parapluies sont jetés chaque année.

Patricia Terrapon Leguizamon (PTL) http://www.patriciaterraponleguizamon.ch

Formation

2004-2007 HEAD - Haute Ecole d’Art et de Design, Genève

Bachelor design industriel céramique

2005-2006 Central Saint Martins + Camberwell College of Arts and Design, Londres

1992-1999 IAUG - Institut d’Architecture de l’Université de Genève

Diplôme d’architecte paysagiste

Expositions personnelles

2016 Le Bestiaire, Galerie Ruine, en duo avec Miroslav Marsalek, GE

2015 Mainumby sur lutrins, gravure, salle Agostini, Conservatoire de musique, danse et théâtre, GE

” Nuit d’Ivresse…”, photo-sculpture, en duo avec Gérard Pétremand, Biennale d’Art, Asuncion , PY

2014 Emblémixtes 2, tryptique acrylique, Le Chevalet Grand Donzel, Veyrier

Fabulation, Galerie Aad, bd du Théâtre, Genève

2011 Tributo, (Hasta luego Luis Mariano!) installation, Manzana de la Rivera, Asuncion, PY

2010 Mémoire, sculptures, installations, Tour du Sauvage, Romont, Fribourg

2009 Ladies, sculpture, The Gallery at Moss & Co, Londres, UK

Ladies, sculpture, Art’s Exhibition Space & Bar Gallery, Londres, UK

Expositions collectives

2017 Spinnst du? installation et dessins, StationShow, gare de Lausanne

Vinyle, installation, Expo Habiter Le Monde, Villa Dutoit, GE

Seins Valentin, sculptures, Atelier-JV17, GE

2016 Des étoiles dans la tête, Atelier-JV17, GE

La grande baignade, Quadriennale piscine de Lancy, GE

Tatouage, Maison de la culture La Julienne, GE

Carnets, Halle Nord, Genève, GE

Cartes postales, Villa Dutoit, GE

Peaux d’Artamis, au CAC, Project Space, en duo avec Miroslav Marsalek, GE

Contraste, installation sur façades extérieures, Villa Dutoit, GE

2015 die Welt retten /ex voto , sculptures-dessin, en duo avec Mirek Marsalek, Projektraum M54, Bâle Emblémixtes 3, drapeau Pont du Mt-Blanc, ”Aujourd'hui était hier ...” Bicentenaire de GE

” Nuit d’Ivresse…”, photo-sculpture, Villa Dutoit, GE

” ça déménage à la SSBA-GE ”, sculptures, Villa du Jardin Alpin, GE

2014 Buccolique M-760, installation, Le Fil, La Julienne, Plan-les-Ouates, GE

Pourquoi savoir…, collage, Villa Dutoit, GE

Buccolique M-760, installation, Le Cadre, Villa Jardin Alpin, Meyrin, GE

Mainumby, gravure sur photo, Park Art Fair International, Triberg, D

Fragments, pOpcOrn, sculptures, Fonderie de l’Usine Kugler, GE

2013 Mainumby, gravure sur photo, marché des Créateurs 2013, l'Usine, GE

”La mort me va si bien !” installation-vidéo, La Nuit, tous les loups sont verts! Villa Dutoit, GE

2012 NymphoMan, dessins + collages, Marché des Créateurs 2012, l'Usine, GE

Tributo (Hasta luego Luis Mariano!) peinture acrylique, Park Art Fair, GE

2011 Poetic Tripes, sculpture, MAC 2011, Leitmotiv: 60° au-dessus de DADA, Galerie Branca, GE

I’m deranged, dessin, Park Art Fair, GE

Marsyas, La boîte, sélectionnée au concours international de Céramique, Carouge, GE

Buccolique M-760, installation, Rathanias, Musée Rath, GE

Hoyerayerahoy, 100 Banderas para el Bicentenario, GdA, baie d'Asuncion, PY

White Sonic, La tasse en toute liberté, maison de la céramique de Samadet, F

Ash-Tray, GattArt, galerie Antichita, céramique et dessins, Florence, I

2010 White Sonic, tasse avec ou sans sous-tasse, galerie M. Dethurens, Carouge

Elastic Dreams, installation sonore cabine téléphérique, l'Imagerie Suisse, GE

2009 White Sonic, La tasse et sa sous-tasse, sélection concours international de Céramique, Carouge

Sculptures, galerie Elf, Dietikon, ZH

2008 Design céramique, Weihnachtausstellung, Espace temporaire, GE

Belly Button, sculpture, Double Vue, Artchêne08, Chêne-Bourg, GE

2007 Ladies, installation, Up date, Artenîle, GE

Design céramique, Lezarts des Grottes, GE

2006 Secrethinks, design céramique, Central Saint Martins College of Arts, Londres

2005 Soap handles, installation céramique, Camberwell College of Arts, Londres

Miroslav MARSALEK

Avenue Dumas 23 A 1206 Genève

mail : vincent@dugogh.ch

Expositions personnelles

2016 Dessins, bas-reliefs céramique et assemblages, Galerie Ruine, Genève. Dessins et projets, Centre d’art contemporain (CAC), Genève.

2015 Dessins et projets, Centre d’art contemporain (CAC), Genève. Dessins, Paradoxe perdu, Rue des Bains, Genève.

1997 Cage, Artamis, Genève.
1995 1kilo 1995. -, Centre d’art en Ile.
1994 Dessins, La Traverse, Genève.
1988 Pictures from Nowhere, Galeri Raven, Karby Mors, DK.

Expositions collectives

2017 Spinnst du? Installation et dessins, StationShow, gare de Lausanne Seins Valentin, dessins et sculptures, Atelier-JV17, GE

2016 Des étoiles dans la tête, Atelier-JV17, Genève. Cartes postales, Villa Dutoit Genève. Museum of Everything, Rotterdam, Hollande.

2015 Dessins, Atelier-JV7 Genève.

2007-2015 Les portraits des hommes, exposition itinérante. Genève, Berne, Autriche,

1996 Spring96, 2e exposition internationale dans les toilettes publiques de Genève. Ce qui reste, CAI, Genève.

1995 Spring95, commissaire de la 1ère exposition internationale dans les toilettes publiques de Genève.

Formation

1978-1983 Graphiste (diplôme+bac) SOSV- Hollarova, Prague.

1984-1986 Spécialisation «graphisme au sein d’entreprise» SOSV E. Famiry, Prague. 

BIOGRAPHIE ARTISTIQUE
Christiane Jaques

En 1963, j'ai obtenu le diplôme de l'Ecole Cantonale des Beaux-Arts de Lausanne après quatre années d'études. C'est là que j'ai découvert les procédés de gravure et me suis passionnée pour l'estampe. Les techniques de la pointe sèche, du burin, de l'eau-forte m'inspiraient, et je pratiquais également la photographie.

Pendant quelques années j'ai fréquenté régulièrement le Centre genevois de gravure contemporaine dirigé alors par Daniel Divorne. Je gravais dans le cuivre mais aussi le zinc et je faisais de la lithographie.

En 1970, je suis partie aux USA, où j'ai travaillé au workshop « Princeton Art Association » dans le New-Jersey, puis à l'atelier de gravure de l'Université de Berkeley en Californie. A cette époque les artistes américains utilisaient très librement les différentes techniques de l'estampe, mixant sérigraphie et taille douce, photographie et peinture, ce qui m'a permis de faire évoluer mes propres recherches.

De retour en Suisse, j'ai poursuivi ma carrière artistique à l'atelier Raymond Meyer à Pully. Il venait d'acquérir une presse taille-douce de grandes dimensions permettant de réaliser des estampes monumentales. Je découvrais ainsi la possibilité de créer des planches de grands formats. 

Dans cet atelier, où je travaille encore aujourd'hui, j'ai appris des techniques nouvelles, en particulier le carborundum, qui me permet de graver très librement. J'ai bénéficié des conseils de Raymond Meyer pour imprimer moi-même mes gravures, mélanger les encres, jouer avec les couleurs...

Explorer, découvrir - chaque jour l'aventure se poursuit.
 

1 Branchages
Pointe sèche et carborundum, chine appliqué
32 x 36 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

2 La forêt de l'océan
Pointe sèche et carborundum
32 x 36 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

3 Le phoque sur le rocher
Pointe sèche et carborundum, chine appliqué
32 x 36 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

4 Les falaises de l'océan
Pointe sèche et carborundum, chine appliqué
32 x 36 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

5 La petite mangrove
Pointe sèche et carborundum, chine appliqué
32 x 36 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

6 Les iguanes
Pointe sèche et carborundum
26 x 33 cm.
Prix : 450.- (avec le cadre)

Luc Sterchi est né à Delémont, dans le Jura suisse, en 1961.

Il fait des études artistiques à la Kunstgewerbeschule de Bâle et à l’Ecole cantonale des Beaux-Arts de Lausanne, où il obtient en 1986 un diplôme en peinture dans la classe de Janos Urban.

Il fait de nombreux voyages, intervient comme animateur dans des camps de théâtre et musique, travaille avec des enfants et des adultes. Performances, décors, peintures murales, il explore les possibles. A l’atelier, dessin, peinture, constructions et sculptures, il aime varier les codes et les outils. Il expose régulièrement son travail à partir de 1987.

Il vit actuellement à Moudon dans le canton de Vaud, où il est installé depuis 2008 avec son épouse et leurs deux filles, et partage son temps entre son travail d’atelier et l’enseignement du dessin à temps partiel.

Etat des lieux (série exposée en 2016)

Etat des lieux ; comme un écho,

Métaphore du monde contemporain

Vestiges d’une splendeur passée

Auxquels s’accrochent quelques diables

Hypocrisie dévoilée, résistance épique

Des pans entiers du château s’écroulent

Tandis qu’émerge un regard neuf

Dégringolade, réinvention

Ruines et renaissance

Que restera-t-il demain de nos empires,

de nos certitudes ?

                                     Luc Sterchi 2016

Œuvres exposées :

Etat des lieux, 1 à 5, 2014-2016

Environ 50 x 50 x 25 cm

Carton, bois, métal et objets divers

1500.-/pièce

Exposition chez StationShow du 21 août 2016 au 02 octobre 2016

Stéphane Bresset est né en 1969. Il vit et travaille à Sainte-Croix. Il travaille le dessin, la peinture et la sculpture incessamment depuis plus de vingt ans.

Certains de ses Unicas sont déposés à la collection des livres rares et précieux de la BCU Lausanne.

Créateur de nombreuses expositions.

Prix :

Dessins : 800.- (Mine de plomb sur papier)

Traces : 800.- (Encre et café sur papier)

Ecritures : 800.- (Encre et café sur papier)

Artist Statement Dan Scher 

The paintings presented are from a series called « City Painting » which I began in 1990. It is an on going series about contemporary urban society. I grew up in Chicago and St. Louis, then lived in New York from 1981 to 2003. I wanted to find a language in painting which would communicate my ideas of urban life. 

For 10 years I searched for a consistent way to paint urban subjects. Then in 1990 I was riding a bus up Madison Ave. and I noticed a view framed by the bus window which cropped the pedestrian traffic at the shoulders. This gave me the idea for a language I could use to compose city paintings. It was this parallel view from the bus of people walking that initiated the dialogue I was looking for. 

I began making many composition studies, using observations from my walks around the city. I made drawings of legs and feet against a negative space of sidewalk. Then I introduced buildings into the negative space, making a structure of buildings, armes, legs, feet, torsos, briefcases, newspapers, umbrellas, shopping bags, and sidewalk. I limited the imagery to these objects and repeated them from composition to composition. 

Correspondingly, during this period, I developed a liking for jazz music and listened avidly to it on the radio. I heard a decidedly urban pace in syncopated jazz rhythms. I found color solutions in jazz harmonies and used color and contour to reflect the city’s pace. Today I continue my work with color and space, the figurative and the abstract.

Exposition chez StationShow du 10 juillet 2016 au 21 août 2016

Education

Bachelor of Arts, Johns Hopkins University, USA

Diplômée du programme post grade de 4 ans du Visual Art School, CH

Expositions individuelles

2008 Mercerie 12, Lausanne, Suisse

2010 Edipresse, Lausanne, Suisse

2011 Galerie Arcane, Corcelles, NE Suisse

2011 Galerie du Pré-du-Marché, Lausanne, Suisse

2012 Galerie Edouard Roch, Ballens, Suisse

2013 Space Station, Lausanne, Suisse

2013 Galerie Arcane, Corcelles, NE, Suisse

2014 EPFL, Lausanne, Suisse

2016 Basel Klein Kunsthalle, Basel

2016 Galerie Edouard Roch, Ballens

2016 Galerie Space Station, Lausanne

2017 Vanderbilt Brain Institute (exposition et conférences), USA

Expositions collectives

2009 Centre Lumen, Crissier, CH

2009 Assenza, Münchenstein, CH

2011 Galerie Xanadu, Arizona USA

2012 Galerie Espace Aurore, Sorens, CH

2012 Galerie JayKay, Carrouge CH

2012 « Drawing 2012 » Galerie La Place Suisse des Arts, CH

2013 Galerie Edouard Roch, « 30 ans de galerie », Ballens, CH

2014 Galerie Edouard Roch, Ballens, CH

2015 Galerie Node, Helsinki, Finlande

2015 Galerie Edouard Roch, CH

2015 EPFL, CH

Foires d’art

2015 Art Athina, , UFO Fabrik Gallery, Grèce

2015 Art Vilnus, UFO Fabrik Gallery, Lithuanie

2015 C.A.R, UFO Fabrik Gallery, Allemagne

2016 Cuarto Publico, UFO Fabrik Gallery, Espagne

Participation à Aperti à Lausanne depuis 2010. Membre du comité d’organisation depuis 2015

Acquisitions

Collectionneurs privés en Suisse et aux USA et collection permanente de l’EPFL, Galerie Edouard Roch, et Galerie Arcane

Bourses et Prix

Bourse d’études pour « academic achievement »

Prix “Samuel Eldridge Scholarship for Outstanding Academic Achievement” Johns Hopkins University

2012 Gagnante du “Scope Miami art fair Digital billboard”

2013 “New this week” Saatchi Arts collection

2014 “Neutral abstracts collection” Spring collection of Saatchi arts

2014 “Inspired by Cy Twombly collection” Saatchi Arts

2014 “Neutral abstracts collection” Fall collection of Saatchi arts

2015 “New this week, Saatchi Arts collection

2015 “TINA” Prize finalist

2015 Saatchi art-prize semi-finalist

2016 Saatchi artist of the day

2016 Selectionnée pour le coverart pour la couverture de la revue Neuropsychologia

2016 Gagnante du Coverart contest pour Neuropsychologia

2016 Gagnante du coverart contest pour Trends in Neuroscience

Publications, Catalogues, Presse

2012 Journal La liberté, Switzerland

2012 Catalogue « Art takes Miami», USA

2012 Drawing 2012, catalogue, Place des Arts, Switzerland

2013 Journal de Moudon, Switzerland

2013 24 heures, Switzerland

2014 Flash magazine, Switzerland

2015 Image et article sur Aperti, 24 Heures

2015 Art Reveal, article de 6 pages

2016 Atelier et intimité, Aperti X

2016 ARTiculation, article de 4 pages

Education

Bachelor of Arts, Johns Hopkins University, USA

Diplômée du programme post grade de 4 ans du Visual Art School, CH

Expositions individuelles

2008 Mercerie 12, Lausanne, Suisse

2010 Edipresse, Lausanne, Suisse

2011 Galerie Arcane, Corcelles, NE Suisse

2011 Galerie du Pré-du-Marché, Lausanne, Suisse

2012 Galerie Edouard Roch, Ballens, Suisse

2013 Space Station, Lausanne, Suisse

2013 Galerie Arcane, Corcelles, NE, Suisse

2014 EPFL, Lausanne, Suisse

2016 Basel Klein Kunsthalle, Basel

2016 Galerie Edouard Roch, Ballens

2016 Galerie Space Station, Lausanne

2017 Vanderbilt Brain Institute (exposition et conférences), USA

Expositions collectives

2009 Centre Lumen, Crissier, CH

2009 Assenza, Münchenstein, CH

2011 Galerie Xanadu, Arizona USA

2012 Galerie Espace Aurore, Sorens, CH

2012 Galerie JayKay, Carrouge CH

2012 « Drawing 2012 » Galerie La Place Suisse des Arts, CH

2013 Galerie Edouard Roch, « 30 ans de galerie », Ballens, CH

2014 Galerie Edouard Roch, Ballens, CH

2015 Galerie Node, Helsinki, Finlande

2015 Galerie Edouard Roch, CH

2015 EPFL, CH

Foires d’art

2015 Art Athina, , UFO Fabrik Gallery, Grèce

2015 Art Vilnus, UFO Fabrik Gallery, Lithuanie

2015 C.A.R, UFO Fabrik Gallery, Allemagne

2016 Cuarto Publico, UFO Fabrik Gallery, Espagne

Participation à Aperti à Lausanne depuis 2010. Membre du comité d’organisation depuis 2015

Acquisitions

Collectionneurs privés en Suisse et aux USA et collection permanente de l’EPFL, Galerie Edouard Roch, et Galerie Arcane

Bourses et Prix

Bourse d’études pour « academic achievement »

Prix “Samuel Eldridge Scholarship for Outstanding Academic Achievement” Johns Hopkins University

2012 Gagnante du “Scope Miami art fair Digital billboard”

2013 “New this week” Saatchi Arts collection

2014 “Neutral abstracts collection” Spring collection of Saatchi arts

2014 “Inspired by Cy Twombly collection” Saatchi Arts

2014 “Neutral abstracts collection” Fall collection of Saatchi arts

2015 “New this week, Saatchi Arts collection

2015 “TINA” Prize finalist

2015 Saatchi art-prize semi-finalist

2016 Saatchi artist of the day

2016 Selectionnée pour le coverart pour la couverture de la revue Neuropsychologia

2016 Gagnante du Coverart contest pour Neuropsychologia

2016 Gagnante du coverart contest pour Trends in Neuroscience

Publications, Catalogues, Presse

2012 Journal La liberté, Switzerland

2012 Catalogue « Art takes Miami», USA

2012 Drawing 2012, catalogue, Place des Arts, Switzerland

2013 Journal de Moudon, Switzerland

2013 24 heures, Switzerland

2014 Flash magazine, Switzerland

2015 Image et article sur Aperti, 24 Heures

2015 Art Reveal, article de 6 pages

2016 Atelier et intimité, Aperti X

2016 ARTiculation, article de 4 pages

Exposition chez StationShow du 24 mai 2016 au 10 juillet 2016

Silvia Velázquez est née à Punta del Este, en Uruguay, en 1980 et vit en Suisse depuis 2009. L’art ne fut pas son premier choix. Si elle opte pour l’économie et travaille dans la finance, la pratique artistique n’a de cesse de la tarauder. Dessiner, peindre lui sont nécessaires au point qu’en 2010 elle abandonne définitivement toute autre activité. Un choix récompensé par la Ville de Lausanne qui met à sa disposition un atelier. Tournée vers l’abstraction géométrique, elle interroge de manière pugnace la ligne et les espaces qu’elle crée.

Avec la série de peintures Life, l’artiste propose une réflexion sur la vie elle-même.

« Chacun suivra son propre chemin, sa propre direction. Une décision nous amènera à en perdre une autre et une autre après. Parfois des chemins se croiseront, parfois s’éloigneront et parfois ils poursuivront ensemble pendant un bout du trajet. »

www.silviavelazquez.blogspot.com

Exposition chez StationShow du 29 février 2016 au 17 avril 2016

Maya Zeller (1968) débute son parcours de peintre en Afrique, où elle a vécu jusqu’à l’âge de 16 ans. 

Le monde des couleurs, imprégné sous un soleil fort et aride, a donné un premier élan à son travail de peintre. Arrivée en Suisse en 1985 elle se forme à l’école des Beaux-Arts à Lucerne et obtient un diplôme en graphisme. Elle décide de se consacrer plutôt à la peinture qui devient le fil conducteur de sa vie ; diverses expositions individuelles et collectives ont vu le jour en Suisse et en Allemagne. Parallèlement elle s’intéresse aussi au dessin, aux arts plastiques et au spectacle de la marionnette. Depuis 2011 elle vit et travaille dans un petit village à la campagne dans le canton de Fribourg.

« Un monde d’observations directes, des souvenirs et des rêves se mélangent sur mes toiles figuratives ou plus abstraites. Je m’inspire de mon autrui, je l’observe pour le transférer ensuite librement sur la toile. Mes peintures sont une invitation au voyage dans l’imagination de chacun, afin de découvrir d’autres dimensions et visions. »

Exposition chez StationShow du 17 avril 2016 au 22 mai 2016

Titulaire d'un Bachelor obtenu en 2012 à l'ECAL (Haute école d'art et de design de Lausanne), Denis Roueche (1987) vit à Neuchâtel et travaille principalement à Lausanne. En plus de sa pratique artistique personnelle et interdisciplinaire, il est chargé de cours à l'école d'arts visuels Têtard à Lausanne et assistant à l'EPFL+ECAL Lab.

« ... Denis Roueche quitte volontiers le design graphique pour prendre les sentiers buissonniers direction nature. Se révèle alors son côté Robin des Bois : il vole à l’utilitaire pour donner à l’inutile. Mais c’est l’univers du mythe qui donne à ses oeuvres leur part de rêve et de jeu d’enfant ... » Nikola Zaric

"Cage"

Dessins sur papier

42cm sur 59.4cm

Un aigle, une buse, une cigogne, un colibri, un corbeau, une mésange, un moineau, un mouette, un perroquet et un pigeon dans une vitrine.

CHF 100.- le dessin

Exposition chez StationShow du 17 janvier au 28 février 2016

Artiste plasticienne, Valérie Portmann (1979) vit et travaille à Lausanne.

Elle a suivi une formation en arts visuels à l’ECAV à Sierre et une formation postgrade en céramique à la HEAD de Genève.

De nature intuitive tout comme sa démarche, Valérie explore divers mediums : dessin, peinture, installation, objets et photographie.

« Dans mon travail, je cherche à faire coexister immédiateté et réflexion. Les thématiques que j’aborde sont le quotidien, la temporalité, l’impermanence que je distille ça et là dans mes différentes propositions. »

Projet La Serpentine, 2016

Il s’agit d’un dessin grand format réalisé selon le contexte d’exposition (vitrine): lieu de passage reliant le métro à la gare et vice versa, l’emplacement renvoie au flux des voyageurs. Le projet La Serpentine est directement lié à la forme convexe de la vitrine placée à l’angle du passage sous-voie et qui suggère un mouvement. L’idée est de proposer de manière graphique une courbe de dénivellation qui glisse ici vers d’autres images et peut évoquer aussi bien un paysage de montagne qu’une coupe de roche naturelle avec ses différentes stries. En géologie, la serpentine désigne « une famille de minéraux silicatés. Les principaux minéraux de cette famille sont l'antigorite dont les couches sont ondulées, la lizardite sans fer mais légèrement alumineuse et à couche droite, et le chrysotile, lui aussi sans fer mais dont les couches sont courbes, ce qui, macroscopiquement forme des fibres. »

Source : http://planet-terre.ens-lyon.fr/image-de-la-semaine/Img446-2014-01-13.xml

Technique : feutre et encre sur papier (1,5 m x 3,2 m)

Prix : 500.-

Exposition chez StationShow du 01 janvier 2017 au 12 février 2017

Shane Synnott was born in Ireland in 1971. He received a BA in painting from the National College of Art and Design in Dublin and an MA in painting from the Royal College of Art in London. He has received several grants and awards including the CAP Foundation studio residency award in Dublin, the Artists’ Work Program Residency at the Irish Museum of Modern Art, the T.I. Group scholarship to the Royal College of Art and the Irish Arts Council Post Graduate Award. He has exhibited his work in Britain, Ireland and Europe. He lives and works in Geneva.

4 paintings, oil on canvas, 54 x 47 cms. 

Titles : Pizza. Vent, Amp, Guitar Hero. 

Price : 1200 chf each.

Exposition chez StationShow du 11 novembre 2015 au 17 janvier 2016

Nicolas Bernière fait ses classes à l'école Supérieure des Arts et Industries Graphiques Estienne, à Paris. Diplôme de graveur taille-douce. 

Il travaille depuis 1989 par série en développant autour de thèmes, des styles et des techniques très diverses. 

Né en 1970, il vit et travaille entre Paris et Bern.